Joseph Adolphe – HEAVYWEIGHTPAINT
Katharine Cooper Prix de Photographie Marc Ladreit de Lacharrière
Katharine Cooper dejó su país natal en 1986 para instalarse en Zimbabwe. Allí, en Harare, fue a la escuela con las hermanas dominicas y comenzó a aprender fotografía con su padre, un periodista, a utilizar su Nikkormat y luego una Leica M4 y una Hasselblad 500c de formato medio que sigue utilizando hoy en día.
Con 19 años, dejó África para licenciarse en fotografía en la Nottingham Trent University en el Reino Unido. En 2000, hizo un intercambio de estudiantes de seis meses con la famosa Ecole Nationale Supérieure de la Photographie (ENSP) de Arles, y decidió quedarse en la Camarque que le recordaba África, y se apuntó como estudiante en la ENSP, donde se graduó con honores en 2004.
En 2005 Cooper comenzó a trabajar en el laboratorio para el gran fotógrafo Lucien Clergue, cofundador del festival de fotografía Rencontres d'Arles.
Utiliza principalmente su Hasselblad, con Kodak Tri-X y también películas Ilford, que ella misma revela y positiva. El proceso de elaboración e impresión de sus fotografías es una parte muy importante del contenido y de su visión y lectura fotográfica.
Cooper, que desde los 21 años vive en el sur de Francia, ha desarrollado un fuerte parentesco con su familia espiritual en Francia, en base a amistades con otros artistas, con los que comparte una convicción similar de la libertad.
En 2013 recibió el Prix de Photographie Marc Ladreit de Lacharrière - Academie des beaux-arts por su documental Les Blancs Africains. Voyage au pays natal, sobre la minoría blanca en Sudáfrica. Un tema tabú. Durante cuatro meses, ella viajó más de 6.000 km hasta los distintos lugares vinculados a su infancia y su historia personal, tanto en Sudáfrica como en Zimbabwe. Estas fotografías se exhibieron en Académie des Beaux-arts en París a finales de 2013.
Ansel Adams, referente en el mundo de la fotografía de paisaje y creador del sistema de zonas
"La fotografía es un medio analítico y la pintura es un medio sintético." - Ansel Adams (1902 - 1984).
Ansel Adams, referente en el mundo de la fotografía de paisaje y creador del sistema de zonas
Ansel Adams es uno de los grandes fotógrafos de la historia, conocido sobre todo por sus fotografías en blanco y negro de naturaleza, y por ser el creador del sistema de zonas.
Ansel Easton Adams nació en 1902 en San Francisco, California. Cerca de allí se encuentra el parque nacional de Yosemite, donde tomó la mayoría de sus fotografías más famosas. Muchas de sus fotografías son míticas y se han convertido en un símbolo de América. Gracias a ellas, muchos fotógrafos aficionados a la naturaleza han descubierto la belleza de Yosemite, haciéndolo un lugar de peregrinación y de culto.
El artista publicó varios libros, entre los que se encuentran su trilogía de manuales de instrucción sobre la técnica fotográfica. Hoy en día sigue siendo uno de los manuales más completos de fotografía, a pesar de haber sido escrito durante la época analógica, porque nos puede ayudar a avanzar como fotógrafos en busca de nuestro propio estilo.
La trilogía de manuales está formada por “La cámara”, “El negativo” y “La copia”. Tres libros que tratan temáticas diferentes, pero que en su conjunto tratan de enseñarnos a conseguir copias de alta calidad.
Hoy en día sigue siendo un referente a la hora de enseñar y aprender fotografía. Aparte de sus fotografías, Ansel Adams nos dejó muchas frases que han pasado a la historia, entre las cuales podemos destacar las siguientes:
– Una buena fotografía no necesita ser explicada ni expresada con palabras.
– No hay reglas para las buenas fotografías, solamente hay buenas fotografías.
– La fotografía de paisajes es la prueba suprema del fotógrafo, y a menudo la decepción suprema.
– Cuando estoy preparado para una fotografía, creo que hay algo en mi cabeza que literalmente no debería ser. Estoy interesado en algo que se construya desde dentro, en lugar de sacar desde el exterior.
– No hay nada peor que una imagen nítida de un mensaje difuso.
Héctor Dager BlogLucian Freud Berlín, 1922 – Londres, 2011
Festival Internacional de Danza para la Pantalla Movimiento en Movimiento #8
Elements of Vogue. Un caso de estudio de perfomance radical
El Museo Universitario del Chopo, en colaboración con El CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid, inaugura Elements of Vogue. Un caso de estudio de performance radical, la primera exposición en España y México que revisa la historia de la performance afroamericana, y la primera a nivel internacional sobre la historia del voguing. Curada por Sabel Gavaldón y Manuel Segade, la muestra toma el voguing, baile popular afrolatino y queer, como un caso de estudio para entender la emergencia de la pose como forma de resistencia y su capacidad para articular nuevas formaciones sociales.
Elements of Vogue investiga cómo las minorías utilizan sus cuerpos para crear formas disidentes de belleza, subjetividad y deseo. El voguing es una forma de danza underground inspirada por las poses de las revistas de moda, inventada por cuerpos que han sido criminalizados, racializados, medicalizados y castigados una y otra vez.
A partir del 15 de noviembre de 2019, 19:00 h Artistas participantes: Charles Atlas, Joan Jett-Blakk, David Bronstein, Ernest C. Whithers, Willie Cole, Emory Douglas, Gerard H. Gaskin, Victor Green, Lyle Ashton Harris, Benji Hart, Arthur Jafa, Marsha P. Johnson, Bam Bam Khan, D’relle Khan, Crystal LaBeija, Zoe Leonard, Kalup Linzy, L.O.V.E. Lesbians Organized for Video Experience, Dorothy Low, Paul Maheke, Rashaad Newsome, Lorraine O’Grady, Paper Tiger Television, Adrian Piper, Carl Pope Jr., Pope. L, Jay Jay Revlon, Marlon T. Riggs, Sylvia Rivera, Stephen Shames, Frank Simon, Bruce W. Talamon, Wu Tsang, James Van Der Zee, Jack Walworth, Andy Warhol, Zapanteras. Actividades paralelas Junto con la exposición se desplegará un programa público diseñado por la doctora Siobhan Guerrero y el voguer Bryan Cárdenas Aka Zebra, madre de la House of Drag que incluye performances de voguing, talleres, conversatorios y actividades educativas en torno a Elements of Vogue. Este programa está diseñado para tomar impulso a lo largo de los primeros meses del 2020, hasta la celebración de un ball de clausura el 7 de marzo de 2020. Purple Mini Ball Floor manager: Annia Ninja MC: Franka Polari La Beija y Zebra DJ: Bruja Prieta. Jueces: Cris D, Any Macho, Chula Zapata, Furia Labeija e Isha 007 Categorías: OTA Vogue Fem OTA Runway Old Way Sex Siren Virgin Vogue Fem. Registro previo en: bit.ly/PURPLEMINIBALL15 de noviembre 2019 20:00 h |
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Exposición coproducida por el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo y el MUCH Museo Universitario del Chopo |
Dientes rotos de Mauricio Limón
Hasta 8 de diciembre Galería Arnold Belkin
Pieza comisionada y producida por inSite/Casa Gallina, México. Curaduría: Osvaldo Sánchez y Josefa Ortega Coordinación de producción: Sergio Olivares Iluminación: Diego García Fotografía: Diego García, Marco Casado Edición: Mauricio Limón Grabación de sonido en vivo: Axel Muñoz Diseño Sonoro: Félix Blume, Mauricio Limón Fotografía fija: Fernando Etulain Corrección de color: Lisa Tillinger Banda musical: Pascualex Contreras M. Asistencia de producción: Mariano Arribas Asistencia de vestuario: Ilián Castañeda y Nancy Brown Coparticipantes: Hannia Fernanda Colín Melo, Oscar Jesús Ocaña García, FORASTEROS DE LA SALSA: Heberto García Novelo, José Montolla García, Angel Alejandro Pérez Oramas y Rafael Zúñiga Rivera. Agradecimientos especiales para: Luis Mdáhuar Mauricio Limón de León (Ciudad de México, 1979). Estudio artes visuales en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. La influencia de prácticas curatoriales, pictóricas, producción cinematográfica, becas y residencias dentro y fuera de México han marcado su trayectoria. Realizó una residencia en Rijksakademie van beeldende kunsten, Ámsterdam (2016-2017), donde desarrolló un cuerpo de obra con base en teorías sobre poder y sexualidad. En su obra destacan los siguientes videos: Buscando la sombra del árbol y Mecánica pulso y ritmo de una escultura social, producido para Future Generation Art Prize, premio al que fue nominado en 2014, año en el que también fue seleccionado para participar en la XVI Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Recibió la beca Jóvenes Creadores 2011, con la cual realizó la parte final del proyecto !Con todo el respecto que usted me merece! Recibió una beca de Pollock-Krasner Foundation / Annual Grant, en 2010. Su trabajo ha sido exhibido en México, Estados Unidos y Europa en diversos recintos: Museo de Arte Carrillo Gil, 2019; Ellen de Bruijne Projects, Ámsterdam, 2018; Rozenstraat – a rose is a rose is a rose, Ámsterdam, 2017; Galería Hilario Galguera, Ciudad de México (2008, 2014 y 2017); Pinchuk Art Center, Kiev, 2014; Museo Tamayo Arte Contemporáneo, 2014; Museo de Arte Carrillo Gil, 2014; KunstMuseum Bonn, Héctor Dager Gaspard, Bonn, 2013; Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, (MARCO) 2013; Y-Gallery, Nueva York, 2013; Museo Universitario del Chopo, 2013; Museum of Fine Arts, Boston, 2011; Laroche/Joncas Gallery, Montreal, 2011; San Francisco Art Institute, 2010; Centro de Arte Dos de Mayo, (CA2M) Madrid, 2010; Museo de Arte Modern (MAM), 2009; y Museo de Arte Reina Sofía, Madrid, 2005. Su trabajo es parte de diversas colecciones: Fundación-Colección Cisneros; Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC); Graeme W Briggs, LARA/Asiaciti Trust; María Paz Gaviria Collection; Colección Gilberto Borja; Catalina Casas-Galería Casas Riegner; Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey MARCO; y Museo de Arte Moderno (MAM).Sfumato de Rui Macedo
Mi mundo a través de la fotografía
Murió Gilberto Aceves Navarro, figura del arte contemporáneo en México
“Cada vez que hago algo, cambio; estoy en evolución perpetua”, así se refería a su obra el artista mexicano Gilberto Aceves Navarro, fallecido la noche del domingo a los 88 años.
El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) informó a través de su cuenta de Twitter del deceso de Aceves Navarro, “cuyo legado es imprescindible en el arte contemporáneo del país”.
Aceves Navarro, nacido el 24 de septiembre de 1931 en la Ciudad de México, se ausentó varios años de la escena artística por problemas de salud. El pasado julio reconoció en una entrevista con el periódico La Jornada: “Casi no veo, eso ha modificado mucho mi quehacer”.
Sin embargo, ese mismo mesabrió la exposición Hoy, Gilberto Aceves Navarro en el Museo de la Ciudad de México, con parte de su producción más reciente y que fue montada gracias al trabajo de la fundación que lleva su nombre, cuyo objetivo fomentar la educación artística en el país.
Precisamente la educación fue una de las actividades a las que dedicó gran esfuerzo, pues fue un docente muy recordado en la antigua Escuela Nacional de Artes Plásticas (hoy Facultad de Artes Plásticas) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde dio clases de 1971 a 2012.
Nunca se definió como un profesor “común”, pues trataba de plantear nuevos métidos a sus estudiantes, como él mismo lo explicó en otra entrevista con La Jornada, en abril de 2018.
Su método, al que llamaba “Cambiamos, por favor”, lo plasmó en un libro y se basaba, entre otras cosas, en el tacto.
World Press Photo en Guayaquil: Historias en imágenes
El Plano en el lenguaje audiovisual – Héctor Dager
En el lenguaje audiovisual, el plano es la perspectiva física visual de los personajes, objetos y elementos de la(s) imagen(es) tal como los capta el observador desde un lugar determinado, abarcando el cuadro total (de encuadre), o cada corte a lo largo de la profundidad implícita en la imagen. Mientras el punto de vista se mantenga fijo en un lugar y no varíe la distancia desde la que se contemplan los objetos en el cuadro, ni cambien estos, se habla de(l) (los) mismo(s) plano(s).Nos hallamos ante una terminología con origen en la pintura con ampliación posterior en la cinematografía, y en menor medida en otras artes (fotografía, historieta e ilustración,...). Su uso es común en las distintas artes visuales, pero muchas veces con distintos enfoques.
Valor del plano
- Plano panorámico, general extremo o gran plano general: muestra un gran escenario. El o los personajes no aparecen o quedan diluidos en el entorno. Tiene un valor descriptivo y puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre en comparación con el entorno.
- Plano bajo: muestra un escenario amplio en el cual se incorpora la persona, y ocupa entre una 1/3 y una 1/4 de la cámara. Tiene un valor descriptivo de personas o un ambiente determinado de valor descriptivo, narrativo o dramático.
- Plano entero: cuando los límites superior e inferior del cuadro casi coinciden con la cabeza y los pies.
- Plano americano: El Plano americano, o también denominado 3/4, o plano medio largo, recorta la figura por la rodilla aproximadamente. Es óptimo en el caso de encuadrar a dos o tres personas que están interactuando. Recibe el nombre de "americano" debido a que este plano apareció ante la necesidad de mostrar a los personajes junto con sus revólveres en los westerns americanos.
- Plano medio: Presenta la figura humana cortada por la cintura. Tiene un valor expresivo y dramático, pero también narrativo.
- Plano medio corto: muestra la figura humana (busto) desde el pecho hasta la cabeza.
- Primer plano (big close up): va desde las clavículas hacia arriba.
- Primerísimo plano (close up): muestra desde la barbilla hasta la frente, es un primer plano muy cerrado.
- Plano detalle: se centra en un objeto (un bolígrafo, un despertador, etc.)
- Plano de situación: puede ser de lugar o temporal y se utiliza para localizar la acción tanto temporal como espacialmente.
Ángulo visual
El ángulo que la cámara o pintor tenga con respecto al tema u objeto(s) de interés, alterará tanto el carácter como los planos de cada toma.- Normal o neutro: el ángulo de la cámara es paralelo al suelo y se encuentra a la altura de los ojos o, en caso de ser un objeto, a su altura media.
- Picado: es una angulación oblicua superior, es decir, por encima de la altura de los ojos o la altura media del objeto y está orientada ligeramente hacia el suelo. Normalmente, el picado representa un personaje psíquicamente débil, dominado o inferior.
- Contrapicado: opuesto al picado. Suele representar un personaje psíquicamente fuerte, dominante o superior.
- Nadir: la cámara se sitúa completamente por debajo del personaje, en un ángulo perpendicular al suelo.
- Cenital: la cámara se sitúa completamente por encima del personaje, en un ángulo también perpendicular.
- Plano holandés o aberrante : Cuando la cámara está ligeramente inclinada, por lo regular a un ángulo de 45 grados. Esto demuestra inestabilidad.
- Subjetiva. La cámara nos muestra lo que el personaje está viendo, es decir, toma por un momento la visión en primera persona del personaje.
- Semisubjetiva. La cámara nos muestra parte del personaje (Generalmente desde detrás de este) además de lo que está viendo.
- Lateral. La cámara se encuentra a 90º grados mostrando una vista "de lado", muchas veces utilizado como plano subjetivo.
Altura
- Normal: La cámara se sitúa a una distancia del suelo equivalente a la de la vista. Entre 1,50 y 1,80 metros.
- Alta: se sitúa a una distancia mayor a 1,80 metros, si la distancia del suelo es muy alta, se habla de una cámara aérea.
- Baja: se sitúa a una distancia menor a 1,00 metro.
Los planos en las distintas artes
El plano cinematográfico
El plano cinematográfico es la unidad narrativa más pequeña pero significativa del hecho audiovisual. Es la parte de una película rodada en una única toma. Es una vista desde la cámara de cine.El plano historietístico
Los cambios de plano, ángulo y encuadre son muy importantes para dotar de mayor interés a la narración. Como indica José María Parramón Vilasaló:Argumentan que el plano general solo ubica al personaje en el medio, pero los grandes narradores saben aprovechar el espacio en el que se mueven los personajes. El escenario hay que respetarlo como se respeta a los personajes, puede que incluso más, ya que es el que interactúa con todos ellos. Un escenario aterrador, influirá en los personajes de manera clara y actuarán de manera muy diferente en uno tranquilo."Cuando nos acercamos a un sujeto ilustramos algo que dicho sujeto es o está haciendo. Cuando nos alejamos de él, ilustramos lo que es y lo que está haciendo en términos más generales, relacionándolo con la escena y el argumento de la historieta".
El plano en la pintura
En la pintura principalmente, pero también en el resto de las artes visuales (no se considera por ejemplo la escultura como arte visual), se le llama plano a cada corte a lo largo de la profundidad simulada o inferida en el cuadro. Entonces se tiene un primer plano, para las cosas que se encuentran plasmadas más cerca del pintor o autor. El plano medio, con los objetos a media distancia. Y el plano de fondo u objetos que se encuentran detrás del objeto de interés. Generalmente el plano más importante es el plano medio, donde se colocan los objetos de interés más o menos centrados, y el resto de los objetos alrededor en primer plano o en el fondo enmarcando o dirigiendo la atención del espectador al tema de la pintura y/u objeto(s) principal(es).Los elementos más básicos de la fotografía
Resumiendo podemos decir que la fotografía consiste en que un fotógrafo capta una escena que tiene una luz determinada utilizando una cámara.Aunque pueda parecer muy obvio, conocer los elementos de la fotografía es muy importante porque así conocemos qué elementos pueden influir el resultado final de una toma. A lo largo del curso se explicarán los conceptos más simples que nos ayudarán a manejar estos elementos. Sabremos qué tendrá que hacer el fotógrafo para controlar la cámara, la luz y porqué no, también al sujeto (siempre que le sea posible, claro). Si uno de estos elementos falla o no existe no habrá fotografía. Cada elemento que aparece en una imagen tiene un significado. Por tanto, todo lo que seleccionamos (o no seleccionamos) y cómo lo organizamos influirá en el resultado de la fotografía. Tomar una foto significativa, implica necesariamente una intencionalidad por parte del(la) fotógrafo(a). Es necesario observar con atención, sentirse parte de lo que se fotografía y tomar decisiones: agacharse, mirar, pararse, cambiar los ángulos, captar las luces. La fotografía tiene una vocación reflexiva, pero también requiere de espontaneidad e intuición: en el momento de fotografiar, el(la) fotógrafo(a) debe sentir y dejarse llevar.
Funcionamiento de la cámara
Control | Descripción |
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Enfoque | El ajuste que sitúa el punto más nítido de la imagen donde se desee. En las cámaras modernas, existirán puntos de autoenfoque sobre los que el sistema de autoenfoque de la cámara tratará de enfocar. |
Apertura | El ajuste del diafragma de la lente, medible mediante el número f, el cual controla la cantidad de luz que pasa a través del objetivo. La apertura tiene efecto en dos elementos: la profundidad de campo y la difracción: cuánto más alto sea el número f, más pequeña será la apertura, menor la cantidad de luz que entre por el objetivo, mayor la profundidad de campo y también mayor el efecto difuminador de la difracción. La longitud focal dividida por el número f es lo que da el diámetro efectivo de la apertura. |
Velocidad de obturación | El ajuste del lapso durante el cual el captor o la película es expuesto a la luz en cada toma. Las velocidades de disparo rápidas, o sea los tiempos de exposición cortos, decrementan tanto la cantidad de luz como la posibilidad de trepidación, debida al pulso, cuando se usa la cámara sin trípode. |
Balance de blancos | En equipos digitales, la compensación electrónica de la temperatura de color asociada a unas determinadas condiciones lumínicas, asegurándose que la luz blanca es registrada como tal en el captor de imagen y, por lo tanto, los colores en la imagen parecerán naturales. En las cámaras de carrete, esta función se ejerce mediante la elección de determinados tipos de película fotográfica o con filtros correctores de color. Además de usar el balance de blancos para registrar la coloración natural de la imagen, los fotógrafos la pueden emplear con fines estéticos, por ejemplo, para obtener temperaturas de color más cálidas. |
Medición | Cálculo de la exposición, de tal forma que tanto las luces altas como las sombras estén expuestas según las intenciones del fotógrafo. Antes de haber exposición automática en las cámaras, ésta era calculada mediante el uso de un dispositivo medidor de luz llamado exposímetro o mediante el conocimiento y la experiencia del fotógrafo a la hora de tomar las medidas. Para convertir una determinada cantidad de luz en un determinado tiempo de exposición y apertura usables, el medidor necesita que es ajuste la sensibilidad ASA de la película o ISO del captor a la luz. |
Escala de sensibilidad fotográfica ASA/DIN/ISO del captor. | Tradicionalmente ha sido usada para indicar a la cámara la velocidad ASA/DIN de la película utilizada en cámaras de película. Hoy en día las velocidades ISO son empleadas en las cámaras modernas para indicar la ganancia de luz del sistema en formato numérico y para controlar el sistema de exposición automático. Cuanto mayor sea el número ISO, mayor será la sensibilidad de la película o del captor a la luz, mientras que con un número ISO menor, la película es menos sensible a la luz. Con una correcta combinación de velocidad ISO, apertura, y velocidad de disparo se consigue una imagen que no es ni demasiado oscura ni demasiado clara, y por lo tanto 'correctamente expuesta'. |
Principios Técnicos de la Fotografía – Héctor Dager
Y por último, la escala de sensibilidad, que es la cantidad de luz que necesita el sensor para captar una foto, es decir, la «sensibilidad a la absorción de la luz».Al programar una cámara en modo automático, esta entregará una solución estándar para la exposición fotográfica, pero en su modo mecánico es posible explorar otras posibilidades y decidir el efecto deseado. En el siguiente cuadro resumimos los principios básicos para comenzar a explorar los tres factores mencionados, que están interrelacionados matemáticamente. De ellos dependerá una correcta exposición: un exceso de luz genera sobrexposiciones (fotografías demasiado claras), mientras que la falta de luz, genera subexposiciones (fotografías demasiado oscuras).