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Joseph Adolphe se mudó a la ciudad de Nueva York en 1992 para asistir a la Escuela de Artes Visuales  donde recibió su MFA en 1994. Ha recibido varios premios por su arte, incluido el primer lugar en el concurso «Figura ahora 2010» en la Universidad de Fontbonne en St. Louis, Missouri. Su trabajo ha sido presentado en más de cuarenta exposiciones desde 1998 en todo Estados Unidos e internacionalmente. Ahora vive con su esposa e hijos en New Haven, Connecticut, y es profesor de Bellas Artes en la Universidad de St. John  en Nueva York.

Las pinturas al óleo de Joseph Adolphe representan incertidumbre, ansiedad y vulnerabilidad en la actualidad. Ya sea que sean derrotados combatientes, bestias ágiles o niños inocentes, sus súbditos parecen agobiados por el conflicto y el peso del mundo. No obstante, son personajes fuertes y resistentes, ya que su confianza y valentía le dan a las pinturas un optimismo innegable incluso cuando el tema es oscuro. «Toro Bravo», la primera exposición individual de Adolphe en BDG fue un éxito rotundo. En el verano de 2012, su pintura, Mars No. 1, fue elegida para la portada del Anual Internacional de Pintura de la Galería Manifiesto, y Joseph Adolphe y su trabajo aparecerán en el próximo documental, HEAVYWEIGHTPAINT. Las pinturas de Joseph Adolphe se encuentran en muchas colecciones privadas y corporativas en los EE. UU. Y en el extranjero

PREMIOS Y HONORES
2014 Conferenciante principal, Simposio internacional sobre diplomacia cultural, Naciones Unidas, NY. 2011 ManifestGallery.org, INPA2, International Painting Annual 2. Finalista. Elegido para la imagen de portada.
2011 ManifestGallery.org, INDA6, International Drawing Annual 6. Dos dibujos a gran escala seleccionados.
2010 Ganador del 1er lugar, The Figure Now 2010, International Juried Exhibition, Fontbonne University, St. Louis, Missouri. «Una exposición internacional con jurado, que reconsidera los enfoques tradicionales y contemporáneos de la figura.
2009 Studio Visit Magazine, volumen ocho y volumen nueve. Publicación con jurado.
1998 Elizabeth Greenshields Foundation Grant.
1992 School of Visual Arts, New York, NY, MFA Program, Beca Académica Completa

EXPOSICIONES INDIVIDUALES SELECCIONADAS
Galería Bertrand Delacroix 2014, Nuevas pinturas, Nueva York, Nueva York
Galería Bertrand Delacroix 2012, Toro Bravo, Obra reciente, Nueva York, Nueva York 2011 Galería Kehler Liddell, Nuevas pinturas, New Haven, Connecticut
2010 Galería West Rock, Pinturas de Italia, New Haven, Connecticut
2009 Kehler Liddell Gallery, Affinities, New Haven, Connecticut
2008 Kehler Liddell Gallery, Deconstruction & Resurrection, New Haven, Connecticut 2005 Galerie Françoise, New Works: Figures, Baltimore, Maryland
2003 Galerie Françoise, Joseph Adolphe: Urban Landscapes, Baltimore, Maryland 2003 Gallery 119, Joseph Adolphe: Urban Landscapes: Brooklyn & Rome, Jackson, Mississippi
2003 The Object Image Gallery, New Paintings, Brooklyn, Nueva York
2002 The Late Show, Rome: Paintings from the Eternal City, Kansas City, Missouri
2002 Pulmone Pulsante, Joseph Adolphe: Drawings 1993–2002, Rome, Italy
2002 The Late Show, Urban Landscapes-Brooklyn, Kansas City, Missouri
2002 North 6th Gallery , Joseph Adolphe: Drawings and Paintings, Brooklyn, Nueva York 2001 Bogigian Gallery, Joseph Adolphe: Paintings, Chambersburg, Pennsylvania

EXPOSICIÓN DE GRUPO SELECCIONADO
2014 New Zones Gallery, G’ddy Up !, Calgary, Canadá 2014 Axelle Gallery, Winter Collective, Boston, MAMÁ. 2013 The Art Directors Club, Round ZERO, NYC 2012 Bertrand Delacroix Gallery, NYC
2011 Jonathan Frost Gallery, New Artists Showcase, Rockland, Maine
2011 Norwalk College Gallery, Zoology 101, Norwalk, Connecticut
2010 A-Space Gallery @ West Cove Studios, Large Works Show, West Haven, Connecticut 2010 Fontbonne University Fine Arts Gallery, Figure Now, St. Louis, Missouri
2010 Kehler Liddell Gallery, Size Matters, New Haven, Connecticut
2009 Paper New England, Go Figure, Newspace Gallery, Manchester, Connecticut
2009 Paper New England, Current Connecticut, Artspace, Hartford, Connecticut
2009 Ct. Com. on Culture & Tourism, Touring Connecticut, CCCT Gallery, Hartford, Connecticut
2008 Kehler Liddell Gallery, Change, New Haven, Connecticut
2005 Delgado-Tomei Gallery, Figuratively Speaking, Brooklyn, New York
2005 NY Law School, Imprimir: OIA Group Show, Nuevo York, Nueva York
2004-5 Manhattan Graphics, Touring Group Show: monoimpresiones, en toda la India

2003-5 Conversaciones, Exposición colectiva itinerante, Comienzo en Baltimore, Maryland
2004 Evergreen House, Universidad Johns Hopkins, Baltimore, Maryland. 2 de octubre al 23 de enero 

2004 Delaware Center for Contemporary Arts, Wilmington, Delaware. 6 de febrero al 23 de mayo 

2004 Universidad de Hartford, West Hartford, Connecticut. 15 de julio a agosto 20
2003 Galerie Françoise, Summer Group Show, Baltimore, Maryland
2002 The Object Image Gallery, Brooklyn Artists, Brooklyn, New York Gallery 2002 119, The Self Portraits Show, Jackson, Mississippi

FERIAS DE ARTE
2014 ArtMRKT SAN FRANCISCO, Stephanie Breitbard Fine Art, San Francisco, CA. 2014 Dallas Art Fair, Newzones Gallery, Canadá,
2014 Miami International Art Fair, Bertrand Delacroix Gallery, Nueva York.
2014 Feria de Arte Contemporáneo ArtPalmBeach, Galería Bertrand Delacroix, Nueva York. 2013 Red Dot Art Fair, Miami, Bertrand Delacroix Gallery, NYC

TEACHING
2000-Profesor actual de arte, Departamento de Arte y Diseño, St. John’s University, NYC

 

PRENSA
Rae, Haniya, «Heavyweight Paint», Guernica Magazine, 26 de junio de 2013, Documental 2010-2014, Heavyweightpaint. www.Heavyweightpaint.com
PoetsArtists, Joseph Adolphe, número 40, noviembre de 2012, págs., 8-10
Sepulvida, David, Westville Painter hace el corte «Heavyweight», The New Haven, Advocate, 4 de junio de 2012. Versión web:
The Coffin Factory, Shelter, Paintings by Joseph Adolphe Issue 3, pgs 43 y 46
Sepulvida, David, New Haven, Independiente, «Open Studios Meets Westville Renaissance», 15 de octubre de 2010. Sección de Artes.
Hoffman, Hank, A Continuum of Gesture, The New Haven Advocate Pg. 35, 7–13 de enero de 2010
Catlin, Roger The State Through Artists ‘Eyes, The HartfordCourant, sección Art Week, pág. 12, 6 de noviembre de 2008
Duran, Elvira J. Elección de la crítica, Todos necesitamos un poco, New Haven Magazine, pág. 38, octubre de 2008
City Wide Open Studios Catalog, 2008–2009 Artists Directory, pág. 159
Glaser, Brian Visual Arts Journal, School of Visual Arts Magazine, Alumni Exhibitions, Nueva York, NY, Volumen 16, Número 2, pág. 90, 92.
Birke, Judy Dos artistas, dos enfoques hacen un buen espectáculo en Kehler Liddell, New Haven Register & (NewHAvenRegister.com), Sección E pg.1–2, 3 de febrero de 2008
Duran, Elvira J. Joseph Adolphe en La Galería Kehler Liddell, New Haven Magazine, pág.
48–49 , enero de 2008 Kobasa, Stephen, V. Painting Thick, The New Haven Advocate, pág. 39, 14 y 20 de febrero, edición de 2008.
Hoffman, Hank Más que rascar la superficie, ctartscene.blogspot.com, Connecticut Art Scene: Dedicado a cubrir la comunidad de artes visuales en Connecticut, jueves 21 de febrero de 2008
Art in America, (agosto de 2004). «Guía anual de museos, galerías, artistas», pág. 15 (2665)
“Ganadores de premios honrados” (noviembre de 2003) Charities USA, New York p. 26
Chalkley, Tom, (12/10/03) “Dialogue Boxes” City Paper, The Arts Section, Baltimore, MD.
Benoit, Julie, (noviembre de 2003). «Conversaciones: influencia y colaboración en el arte contemporáneo», Radar 8, Baltimore Arts & Culture, p. 22
Giuliano, Mike, (20 de julio de 2003). «Dos galerías ofrecen dos tomas del mundo», The Messenger, p.11
M.FA Alumni, «Illustration as Visual Journalism», School of Visual Arts Films, Documentary Video
Modenstein, SA (2003, primavera). «The Magazine Rack, Alumni Notes» Visual Arts Journal, p.42 y 46
Brown, Kenneth (2003, 10 de marzo). «Nuevo escaparate para el artista canadiense» Park Slope Courier, vol. XXV No. 10, pág. 4
Hackman, Kate. (2002, noviembre / diciembre) «Eterno / Glorioso». Revisión, p. 14
Barnaba, S. (2002, junio). «Citta e dintorni». La Repubblica Trova Roma, p. 9.
Sacca, Annalisa. (2002, junio). «Joe Adolphe: Disegni-Sulla Soglia Dello Sguardo». Ilfilorosso 32, p. 57.
Selvaggi, Giuseppe. (2002, 22 de junio). «La rivolta di Narciso». Il Giornale D’Italia, p.14. Hackman, Kate. (2002, mayo / junio). «Joe Adolphe en el Late Show». Review, p. 18.
Johnson, Dustin. (2002, julio / agosto). «Habitaciones con vistas familiares». Revisión, p. sesenta y cinco
Miller, Joe (2002, 23-29 de mayo). «Pinturas de Joe Adolphe». Pitch Weekly p. 24
«Need a Art Fix: The Late Show Provides» (25 de mayo de 2002). The Kansas City Star sección F, pág. 7
Grapa, Capricho. (14 de junio de 2002). «Un artista ha crecido en Brooklyn». The Kansas City Star sección F, pág. 33
Lucas, Jerez. (2002, 24 de marzo). «Autorretrato». The Clarion Ledger sección F, pág. 5. «Exposición Adolphe en la Galería Bogigian» (9de febrero de 2001) The Wilson Billboard, pág. 3 «Artista de Nueva York en Wilson» (marzo de 2001) The Chambersburg Gazette, pág. C3

La pintura de Cecily Brown (Londres, 1969) retoma algunos de los grandes momentos de la tradición pictórica universal con referencias e influencias de importantes artistas como: Francisco de Goya, Willem de Kooning, Philip Guston, o Francis Bacon. De este modo, Brown comparte con André Masson el interés por la ferocidad del instinto sexual y los dramas inherentes a la naturaleza, así como por la representación de órganos genitales como ornamentos naturales.

De apariencia expresionista, son obras en las que el deseo aparece como algo incontrolable, o que tiene sus propios órdenes y leyes. Sin embargo, en otras ocasiones Brown pinta pequeños animales o figuras que parecen provenir del cómic, en las que el humor se convierte en el tono dominante. Esta mezcla del ámbito del pop con el expresionista, sitúa el trabajo de la artista en el terreno de lo fantástico. En los paisajes de Brown desaparece el ilusionismo y no hay perspectiva: en ellos todo sucede en la superficie. Se trata de un mundo formado por la historia de la pintura, el motor inefable del deseo y el lenguaje artístico mismo, convertido en un auténtico jardín hedonista, en el que imágenes y pinceladas se funden sin criterio jerárquico alguno. En los últimos diez años, Cecily Brown ha expuesto sus trabajos en importantes galerías y museos de Europa y Estados Unidos.

La muestra organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía se inscribe dentro del programa Espacio Uno y está formada por ocho óleos de gran tamaño pertenecientes a las últimas series de la artista. Las pinturas ofrecen paisajes sincopados que parecen estar construidos a partir de fragmentos en movimiento. Así, en Lagoon (2004) se adivina un lago entre ramas, flores y fragmentos de cielo y de montañas. En Ambush Makeover (2003) parecen entreverse cuerpos emboscados tras hojas y flores. Brown pinta el deseo femenino con absoluta honestidad, desde el abandono al control absoluto, del placer, a la risa. La maestría de la artista radica en la facilidad con que la pincelada, rápida y vigorosa, desprende vitalidad y sensualidad en sus obras. El espacio pictórico de Brown es una suerte de organismo vivo, generado dentro de parámetros determinados, que permiten la improvisación y el seguimiento de los impulsos del instinto.

Brown obtuvo un Diploma B-TEC en Arte y Diseño de la Epsom School of Art, Surrey, Inglaterra (1985–87) (ahora Universidad para las Artes Creativas ), tomó clases de dibujo y grabado en el Morley College, Londres (1987–89). ) y obtuvo un grado BA en Bellas Artes por la Slade School of Art, Londres (1989-1993).10​ Durante sus estudios trabajó como camarera y, más tarde, en un estudio de animación. Además de la pintura, Brown también estudió grabado y dibujo. Obtuvo los honores de primera clase en Slade y fue la ganadora del primer premio en el Concurso Nacional para Estudiantes de Arte Británicos.

Brown dejó Londres para firmar por la Galería Gagosian en la ciudad de Nueva York. Llegó a ser conocida en el mundo del arte a finales de la década de 1990 a través de una exposición de pinturas abstractas de conejos. Los conejos en las obras juguetean en paisajes de bacanal.11​ En 1995, el mundo del arte se dio cuenta de su trabajo cuando exhibió Four Letter Heaven en el Festival de Cine de Telluride. Su trabajo se mostró en los Estados Unidos así como en Europa.12​ Brown mantuvo un estudio en el Meatpacking District de Manhattan, 4​ y luego, en 2011, trabajó en un estudio en una antigua oficina cerca de Union Square.

Brown utiliza el dibujo como un requisito previo para guiar su trabajo. A través del uso de la repetición, Brown captura imágenes que la atraen y la confunden. Sus dibujos y pinturas muestran su visión erótica del arte. Brown dice: «Quiero hacer formas que se estén disolviendo o en el proceso de convertirse en algo y jugar con la relación entre el ojo y el cerebro».11​

Las pinturas de Brown combinan la figuración y la abstracción absoluta mientras exploran la relación de poder entre el hombre y la mujer. Ampliando la tradición del expresionismo abstracto, se ha hecho conocida por un estilo de pintura sugerente de pintores expresionistas abstractos como Willem de Kooning y Oskar Kokoschka.13​

La principal característica de las pinturas de Brown es su uso del movimiento, la creación expresiva de marcas y muchas mezclas de colores en sus obras.14​ Sus pinturas recuerdan las obras de Philip Guston y la Escuela de Figuras del Área de la Bahía de los años cincuenta y sesenta. Brown a menudo titula sus pinturas como películas y musicales clásicos de Hollywood, como The Pajama Game, The Bedtime Story y The Fugitive Kind.14​ En 2013, Brown basó una serie de pinturas en una fotografía de un gran grupo de mujeres desnudas que aparecieron en el lanzamiento británico de un álbum de Jimi Hendrix en 1968, Electric Ladyland. 13​

Su obra combina elementos representativos y abstractos. Su técnica táctil la vincula al movimiento artístico Expresionismo abstracto. Sin embargo, consciente de su conexión con artistas como Willem de Kooning y Lucian Freud, Brown a menudo inyecta humor fresco o ironía al titular sus pinturas como películas y musicales famosos. Ha sido agrupada con destacadas pintores contemporáneos, como Charline von Heyl, Jacqueline Humphries, Laura Owens, Jutta Koether, Amy Sillman y Emily Sundblad.15​

Cecily Brown trabaja utilizando un enfoque no lineal. Brown experimenta con este enfoque trabajando con múltiples lienzos a la vez. Trabajar en grupos grandes le permite a Brown explorar nuevas ideas compositivas y, al mismo tiempo, ser espontánea. Brown describe su proceso como «orgánico». 16​ A menudo pasa días trabajando en varios cuadros, hasta en 20 trabajos a la vez, permitiendo que las capas de pintura se sequen entre las aplicaciones.17​

Algunos de sus trabajos son:

Sky Towers y Bridal Bowers, óleo sobre lienzo, 65 pulg. X 43 pulg., 2016 ​
Esas son las perlas que fueron sus ojos, óleoite sobre aluminio, 43 en x 53 pulg., 2016 ​
Be Nice to the Big Blue Sea óleo sobre lienzo, 109 pulg. X 107 pulg., 2012
The Green, Green Grass of Home, óleo sobre lienzo, 97 pulg. X 151 pulg., 2010 ​
Sin título (The Beautiful and Damned), óleo sobre lienzo, 109 in x 171 in, 2013
Luck Just Kissed You Hello, óleo sobre lienzo, 67 pulg. X 65 pulg., 2013
Footsie, litografía en 10 colores en papel blanco texturado Somerset, 43 ¾ in x 33 ½ in, 2000, Edición de 33
Jimmy Jimmy, óleo sobre lienzo, 65 pulg. X 67 pulg., 2014
Sin título (Paraíso), monotipo en acuarela, lápiz y pastel sobre papel Lanaquarelle, 47 ½ en 71 ¾ en, 2015 18​
Figuras en un paisaje 1, óleo sobre lienzo, 90 pulg. X 100 pulg., 2001
The Sleep Around y The Lost and Found, óleo sobre lienzo, 97 in x 103 in, 2014
¿Is it nice in you snowstorm?, óleo sobre lienzo, 17 en 12 ½ pulgadas, 2014
Los jóvenes y los inquietos, óleo sobre lienzo, 115 pulg. X 109 pulg., 2014
Pensamos las mismas cosas al mismo tiempo, óleo sobre lienzo, 43 pulg. X 65 pulg., 2014 ​
Combing the Hair (Outside),, óleo sobre lienzo, 83 in x 67 in, 2014
Stuck in the Middle With You, óleo sobre lienzo, 43 pulg. X 31 pulg., 2015
Grabado en color con pared de ladrillo, grabado en 7 colores con aguatinta, 2003, ediciones 5 PP, 1 BAT, 4 HC de 28 + 4AP 18​
Skulldiver 3 (Flightmask), óleo sobre lienzo, 85 pulg. X 89 pulg., 2006
Memento Mori 1, óleo sobre lienzo, 97 pulg. X 103 pulg., 2006–2008

En la edición de febrero de 2000 de Vanity Fair, Brown, junto con artistas como Inka Essenhigh, John Currin y otros, apareció en fotografías a todo color tomadas por Todd Eberle. En una fotografía que apareció en The New Yorker Brown estaba de pie, con un cigarrillo en la mano, estudiando uno de sus cuadros. 21​

Brown tomó parte en 2004, junto con otros artistas como Laura Owens y Elizabeth Peyton, en un evento de recaudación de fondos del Partido Demócrata, Art Works for Hard Money, en Los Ángeles.

Lucian Freud es considerado uno de los máximos representantes de la corriente figurativa británica de la segunda mitad del siglo XX que ha dado en llamarse la Escuela de Londres. En sus retratos, centrados principalmente en las personas de su entorno próximo, Freud consigue desvelar la vulnerabilidad del cuerpo humano a través de la carnalidad matérica que rezuman sus obras. Hijo de un arquitecto y nieto del creador del psicoanálisis, Sigmund Freud, Lucian Freud pasó su infancia en Berlín hasta que, tras la llegada de Hitler, su familia se vio obligada a emigrar a Inglaterra. Desde pequeño tuvo claro que quería ser artista. Estudió en la Dedham School of Arts and Crafts y posteriormente en el Goldsmith’s College de Londres. Su formación en el clima intelectual existencialista de la Europa de entreguerras le llevó a utilizar su pintura como instrumento de reflexión sobre la enajenación del hombre contemporáneo.

Desde los comienzos de su carrera como pintor, sus obras han tenido siempre como tema central la figura humana representada con una intensidad psicológica muy acusada. En la década de 1950, el estilo un tanto rígido de sus primeras obras dio paso a un lenguaje más suelto, de pincelada más gruesa, más informal. Esta evolución no supuso el inicio de un método de trabajo más rápido, ya que Freud siempre ha sido un pintor de ejecución lenta y meditada, que necesita alcanzar una relación de intimidad con las personas o los objetos representados. Freud valora ante todo el estudio psicológico, que une a un realismo crudo y a unas actitudes desinhibidas que en ocasiones se acercan a lo sórdido. En sus retratos no busca el parecido, sino el reflejo de lo que representan sus personajes, e intenta encontrar la esencia de su personalidad.

Entre 1958 y 1968 expuso con asiduidad en la Marlborough Gallery y desde los años setenta se han celebrado numerosas muestras internacionales de su obra que le han convertido en una de las grandes figuras del arte actual.

Sus padres fueron el arquitecto Ernst Ludwig Freud (1892–1970) y Lucie («Lux») Brasch (1896–1989). Era nieto de Sigmund Freud. Tuvo dos hermanos, el escritor y parlamentario Klemens Raphael Freud (1924) y el editor Stephan Gabriel Freud (1921). Su sobrina, Emma Freud, es una prominente productora de radio británica.

En 1933, cuando Lucian tenía solo 11 años de edad, el padre de Lucian, Ernst Freud, tuvo que emigrar con su familia a Londres, Reino Unido. La emigración ocurre motivada por la llegada de Hitler al poder. Ernst Freud fue luego quien organizó la recepción de los abuelos de Lucian, en 1938: Sigmund Freud y Martha Bernays quienes llegaron junto a su hija (tía de Lucian) Anna.5​ Lucian recibió la nacionalidad británica en 1939. Durante este período estudió en el Dartington Hall School en Totnes, Devon, y después en el Bryanston School.

Lucian Freud fue un gran amigo del pintor expresionista figurativo Francis Bacon, desde 1959 y hasta su muerte 1992. Las obras de Lucian, particularmente los variados retratos de la madre, suelen describirse como las más importantes representantes de la escuela neofigurativa inglesa.6​

Durante un breve período estudió en la Central School of Art de Londres y después con mucho éxito en la Escuela de Pintura y dibujo Cedric Morris’s East Anglian, en Dedham. Se alistó como marino mercante en un convoy del Atlántico Norte en 1941, antes de serle invalidado su servicio en 1942.

En 1943, El editor ceylanés Tambimuttu comisionó al joven artista para ilustrar un libro de poemas de Nicholas Moore, titulado The Glass Tower.

En su primera exhibición individual, en la Lefevre Gallery, en 1944, expuso su celebrado cuadro El cuarto del pintor (The painter’s room).

Para el verano de 1946, viajó a París antes de continuar a Italia por varios meses. Desde entonces viviría y trabajaría en Londres.

El 20 de julio de 2011, falleció «en paz» en su domicilio de Londres, según un comunicado de su abogada Diana Rawstron que recoge France Presse.

En 1948 contrajo matrimonio por primera vez con Kathleen Garman Epstein, con quien tuvo dos hijas. Con frecuencia, Kathleen posó para él como modelo.

Tras el divorcio de su primera esposa, se casó en 1953 con Caroline Blackwood, quien se divorció de él en 1959.8​

Con su pareja Bernardine Coverley, tuvo dos hijas. Esther Freud, quien es una conocida escritora, casada con el actor David Morrisey y Bella Freud, diseñadora de modas. Además, tuvo cinco hijos con Suzy Boyt y otros cuatro con Katherine Margaret McAdam.

Las primeras pinturas de Freud a menudo están asociadas con el surrealismo y muestran personas y plantas en yuxtaposiciones inusuales. Estos trabajos están usualmente hechos con pintura muy fina y a partir de los años 1950 empezó a realizar retratos, muy a menudo desnudos, sin nada más, utilizando la técnica del empasto (o impasto). Los colores son a menudo neutros.

Los temas de Freud son personas y sus vidas; amistades, familia, colegas, amantes y niños. En contadas ocasiones acepta retratos por encargo. Como él mismo dice en sus memorias: «El tema es autobiográfico, cuanto tiene que ver con la esperanza y la memoria y la sensualidad y la participación, la verdad…» «Pinto gente, no por lo que quisieran ser, sino por lo que son».10​

El uso de animales en sus composiciones está muy extendido y es a menudo característico que aparezcan las mascotas al lado de su propietario. Ejemplos de retratos de animales y personas en la obra de Freud incluyen Muchacho y Speck (1980-81), Eli y David (2005-06) y Doble retrato (1985-86).11​

Su pasión por los caballos le llevó a pintar los ejemplares de la escuela en Darlington, donde, además de montarlos, incluso dormía en los establos. De estos, cabe destacar los retratos de Grey Gelding (2003), La yegua Skewbald (2004), y Yegua comiendo heno (Mare Eating Hay) (2006).12​

Su cuadro A la manera, al estilo de Cézanne (After Cézanne) es notable por su forma inusual y el alto precio que pagó la Galería Nacional de Australia, de 7.4 millones de dólares americanos. Un retrato de pequeño formato de la reina Isabel II del Reino Unido causó controversia, al mostrarla tan envejecida (o más) de lo que es. La prensa británica publicó críticas contrapuestas sobre él.

Pintor de producción no demasiado extensa y sumamente cotizado ahora, cuenta con apenas cinco ejemplos en España: cuatro en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, (Reflejo con dos niños, autorretrato, Gran interior, Paddington, Último retrato y Retrato del barón H.H. Thyssen-Bornemisza). Existe otro retrato del barón, de mayor formato, que al parecer heredó su hija Francesca. En museos de Hispanoamérica, hay que citar dos pinturas en el MUNAL de México.

Dirección: Yolanda M. Guadarrama

Curaduría: Lucitzel Pedrozo Lara, Nayeli Benhumea
y Yolanda M. Guadarrama

El festival presenta las proyecciones: Impresiones alteradas y desasosiego; Las indagaciones y lo otro.

 

Estas colecciones de obras de la selección oficial son las tendencias más relevantes de la curaduría de Movimiento en Movimiento, y serán acompañadas de performances en vivo por medio de videollamadas en línea, así como de entrevistas a algunos de los autores presentes. En sincronía con las proyecciones, se suma la exhibición de las Diagonales 1 y 3 de la Muestra Merce Cunningham Centennial en formato de galería y en exhibición continua (loop).

 

Movimiento en Movimiento celebra, difunde, colecciona y promueva la producción de piezas audiovisuales que articulan un sentido estético a partir del movimiento, con o sin presencia corporal: danza para la pantalla, cinedanza, videodanza, performances videograbados, videoarte y cine experimental. Las obras reunidas revelan un sentido humanista en relación a la literatura, filosofía y sociedad, para generar reflexiones sobre los límites y cruces propios en la interdisciplina y transdisciplina audiovisual.

 

Su propósito es reunir una serie de obras excepcionales para difundir el género danza para la pantalla (en ocasiones referido como videodanza o screendance), buscando posibilidades entre la narrativa, los significados profundos, la danza y los medios audiovisuales, haciendo énfasis en la relación que ésta guarda con el cine, el movimiento y  la coreografía –tanto de bailarines como de imágenes y objetos–.

La selección de obras no muestra únicamente la belleza dancística o visual, más bien busca llevar al espectador al momento en que las imágenes “generaban sorpresa” y “significaban algo”, intentando escapar de la época actual de confusión en la que se manifiesta un excesivo uso de la imagen.

 

Movimiento en Movimiento ha coleccionado una gran diversidad de estilos a través de sus ediciones, así como en su galería permanente en la web; se trata de un conjunto de obras heterogéneas cuyo hilo conductor es el sentido claro, profundo y sólido que se manifiesta en el proceso de creación de cada obra.

Proyección de filmes pertenecientes a la selección oficial del festival:
Las indagaciones y lo otro. Piezas experimentales que dan cuenta de situaciones absurdas en el estado de cosas que vivimos, la depredación en el mundo digital y en el real, y animaciones en sintonía con la danza.

25 de octubre de 2019, 18:00 h
Entrada libre


Proyección de filmes pertenecientes a la selección oficial del festival:
Impresiones alteradas y desasosiego. Danza al estilo de la novela 1984, de George Orwell, misiles invadiendo la tierra “felizmente”, guerras de juguete para hombres de juguete e influencias de la literatura eslava en la danza para la pantalla.

26 de octubre, 17:00 h
Entrada libre

 


 

Muestra Merce Cunningham Centennial. Lo elemental, lo impredecible, lo inesperado.

Diagonal 1. Videodanzar la mirada: el coreógrafo tras la cámara.

Diagonal 3. Screendance event: extraer, ensamblar e interpretar aleatoriamente.

Se trata de secuencias en exhibición continua (loop), de exploraciones cámara-cuerpo-tiempo y de distintos fragmentos extraídos de obras del repertorio de Merce Cunningham (destacado coreógrafo en la historia de la danza y figura clave en la videodanza) ensambladas e interpretadas en un orden y una distribución aleatoria. Cada “evento” es único y concebido para ser adaptado en el espacio donde se presenta. Este proceso de exploración y de creación revela la percepción del espacio arquitectónico en resonancia, oposición, abstracción y desplazamiento.

25 y 26 de octubre, 11:30 a 19:00 h
Entrada libre

 


 

 

Yolanda M. Guadarrama. Cuenta con una amplia trayectoria en el ámbito de la danza para la pantalla, su primera pieza en este género la realizó en 1994. Ha sido jurado de Screendance en el Festival LIFF, realizado en Inglaterra. Está dedicada a la creación y difusión de este género artístico, escribe textos, imparte cursos y coordina proyectos. Desde hace cuatro años realiza la curaduría de Festival RIFF (RED International Film Festival) en Noruega, dedicado a danza-arte-cinema. Este festival fue fundado por Ella Fiskum y Yolanda M. Guadarrama. Sus obras han sido exhibidas en varios festivales internacionales en Europa y Sudamérica, su obra Comedores de Patatas obtuvo el premio al mejor corto experimental en Eurasia International Festival, Moscú, Junio, 2018. Como proyecto alternativo, ha sido coeditora y cofundadora de Revista y Editorial MOHO desde 1989.

Más información en: https://www.yolandamguadarrama.com/

 

Nayeli Benhumea (Ciudad de México, 1983). Realizadora mexicana de videoarte, videodanza y documentales. Licenciada en Diseño de la Comunicación Gráfica, con especialidad en Creación Dancística por parte de la Universidad Autónoma Metropolitana. Varias de sus creaciones han sido presentadas en festivales internacionales de videodanza. Cursó el Taller de escritura de videodanza, con Douglas Rosengerg. Cuenta con la Maestría en Artes Visuales por parte de la Universidad Nacional Autónoma de México, especialista en la escritura sobre videodanza. Es profesora de Videoarte y de Investigación de Proyectos Artísticos en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de México. Es coautora, junto con Hayde Lachino, del libro Videodanza. De la escena a la pantalla.

 

Lucitzel Pedrozo. (Ciudad de México, 1983). Videoasta, productora, investigadora, iconógrafa y editora. Maestra en Artes Visuales por la UNAM. Como realizadora desarrolló series, cápsulas y documentales en Tv Unam (2007- 2013). Como videoasta ha indagado en la experimentación de las posibilidades estéticas del lenguaje del video en la danza, a través de la videodanza (Ankoku Butoh, 2011; Espejo Negro, 2014; Insectos, 2016) y su expansión a diferentes disciplinas como la animación (Hoso Tan, Ad Astra, [Cátedra Arte y Enfermedad de la Universidad Politécnica de Valencia, 2015]), y la videoinstalación (MA. Videodanza Expandida, 2017). Es colaboradora y curadora del Festival Internacional de Danza para la Pantalla Movimiento en Movimiento y el Festival Internacional de Cine Poesía Fotogenia. Actualmente es becaria del Programa Jóvenes Creadores del FONCA (2018-2019) con la videoinstalación: Deconstrucción del Gesto.

 

 

 

 

 

El Museo Universitario del Chopo, en colaboración con El CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid, inaugura Elements of Vogue. Un caso de estudio de performance radical, la primera exposición en España y México que revisa la historia de la performance afroamericana, y la primera a nivel internacional sobre la historia del voguing. Curada por Sabel Gavaldón y Manuel Segade, la muestra toma el voguing, baile popular afrolatino y queer, como un caso de estudio para entender la emergencia de la pose como forma de resistencia y su capacidad para articular nuevas formaciones sociales.

 

Elements of Vogue investiga cómo las minorías utilizan sus cuerpos para crear formas disidentes de belleza, subjetividad y deseo. El voguing es una forma de danza underground inspirada por las poses de las revistas de moda, inventada por cuerpos que han sido criminalizados, racializados, medicalizados y castigados una y otra vez.

 

A partir del 15 de noviembre de 2019, 19:00 h

 

 

Artistas participantes:

Charles Atlas, Joan Jett-Blakk, David Bronstein, Ernest C. Whithers, Willie Cole, Emory Douglas, Gerard H. Gaskin, Victor Green, Lyle Ashton Harris, Benji Hart, Arthur Jafa, Marsha P. Johnson, Bam Bam Khan, D’relle Khan, Crystal LaBeija, Zoe Leonard, Kalup Linzy, L.O.V.E. Lesbians Organized for Video Experience, Dorothy Low, Paul Maheke, Rashaad Newsome, Lorraine O’Grady, Paper Tiger Television, Adrian Piper, Carl Pope Jr., Pope. L, Jay Jay Revlon, Marlon T. Riggs, Sylvia Rivera, Stephen Shames, Frank Simon, Bruce W. Talamon, Wu Tsang, James Van Der Zee, Jack Walworth, Andy Warhol, Zapanteras.

 

 

Actividades paralelas

Junto con la exposición se desplegará un programa público diseñado por la doctora Siobhan Guerrero y el voguer Bryan Cárdenas Aka  Zebra, madre de la House of Drag  que incluye performances de voguing, talleres, conversatorios y actividades educativas en torno a Elements of Vogue. Este programa está diseñado para tomar impulso a lo largo de los primeros meses del 2020, hasta la celebración de un ball de clausura el 7 de marzo de 2020.

Purple Mini Ball

Floor manager: Annia Ninja

MC: Franka Polari La Beija y Zebra

DJ: Bruja Prieta.

Jueces: Cris D, Any Macho, Chula Zapata, Furia Labeija e Isha 007

Categorías:

OTA Vogue Fem

OTA Runway

Old Way

Sex Siren

Virgin

Vogue Fem.

 

Registro previo en: bit.ly/PURPLEMINIBALL

15 de noviembre 2019 20:00 h

 

 

 

Gerard H. Gaskin, New York Awards Ball , Harlem, N.Y, 2005

Gerard H. Gaskin, New York Awards Ball , Harlem, N.Y, 2005

Exposición coproducida por el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo y el MUCH Museo Universitario del Chopo

 

El festival Hoy es 2030 en su segunda edición propone una convocatoria internacional para artistas emergentes a partir del subtítulo Artes amatorias. El objetivo del festival es indagar en el concepto de amor como posibilidad, actitud y forma de resistencia: una fuerza creadora de vínculos y de modelos alternativos para concebir las relaciones sociales más allá de los mecanismos del poder.

Vivimos un momento en el que la perspectiva positiva de futuro se ha visto sacudida por un fenómeno generalizado de desequilibrio entre sobreabundancia y escasez. La humanidad se revela como principal agente destructor en un encuentro dramático entre la historia natural y la historia del ser humano. Enfrentamos, sin duda, una nueva conciencia de desamor. El festival propone movilizar diferentes vocabularios estéticos para interrogar el hecho amoroso, y su relación con la transformación de la sociedad y la de la Tierra. ¿Podemos hablar del amor como una fuente impulsora de actos de coraje y transgresión para habitar el planeta de otra forma y, por qué no, erotizarlo?

Artes amatorias es una llamada al pensamiento y a la creación artística: imaginemos que despertamos y es un día cualquiera, a mediados de 2030, miramos a nuestro alrededor y realizamos una obra de creación artística inspirada en otras formas de discurso amoroso. Para demostrar o desmentir que un proyecto democrático planetario es posible.

Si quieres participar en el festival Hoy es 2030 puedes descargarte su convocatoria aquí. Tienes hasta el 10 de noviembre de 2019 para hacerlo.

Este mes, Guayaquil será la segunda ciudad de Ecuador en recibir la exposición titulada Las historia que importan, que incluye las 140 historias destacadas en fotografía del 62º concurso anual del World Press Photo. Desde 1955, el World Press Photo Contest ha reconocido a los fotógrafos profesionales por las mejores imágenes que contribuyeron al último año del periodismo visual. Su propósito es  conectar el mundo mediante el periodismo y la narración de historias.

Los ganadores fueron elegidos por un jurado independiente que revisó más de 78.801 fotografías ingresadas por 4.738 fotógrafos de 129 países.

Como parte de su gira mundial, las fotografías se exhibieron en la capital ecuatoriana en septiembre de este año. Una vez concluido su paso por Guayaquil, continuará hacia Cuenca, Loja y, finalmente, Manta.

Fotos llenas de fuerza
El 3 de diciembre de 1955, la primera exposición anual World Press Photo 55 abrió sus puertas. Convencidos del poder de mostrar y la importancia de ver historias visuales de alta calidad, desde entonces han organizado cerca de 3.000 exhibiciones y más de 130 eventos de educación y divulgación en 522 ciudades de 122 países. La exposición se estrena cada año en Ámsterdam en abril, antes de comenzar su gira mundial por 100 ciudades y 45 países. “Mostramos historias que hacen que las personas se detengan, sientan, piensen y actúen”, subraya su página oficial.

El Presley Norton mostró su interés en acoger la muestra y calificó. “Nuestro equipo humano, guías y museógrafos están preparados para recibir la muestra y adicionalmente, hemos preparado una agenda de actividades en el marco de la exhibición, con el  frente de fotógrafos de nuestra ciudad”, comenta Guisella Moreno, responsable del museo Presley Norton, sede de la EOD MAAC Nuclear. “La fotografía es una expresión artística de siempre. Hoy, un arte con mayor  presencia, y los museos debemos fortalecerla, además de crear públicos y audiencias”.

Otras actividades
Frente Fotográfico, un colectivo comprometido  con la creación, promoción y difusión de la fotografía en la ciudad, alista algunas actividades. Viernes 18, 19:00: Diálogo ‘Fotodocumentalismo y derechos humanos en Guayaquil: presentación de casos’, con la intervención de Billy Navarrete, Andrés Loor, Paulina Vallejo, Priscila Aguirre.  Domingo 20, 10:00:  Caminata fotera (reunión en el Museo Presley Norton).  Miércoles 23 y jueves 24, 19:00:  Charla+taller ‘La experiencia colectiva en la creación fotográfica’, a cargo de Colectivo FluxusFoto. La asistencia es gratuita.

info@artesantander.com ARTESANTANDER 14-18 Julio 2018
ARTESANTANDER 2018
Feria Internacional de Arte Contemporáneo
Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander
14 – 18 Julio 2018
Entrada gratuita para todo el público
Horario de 17:00 a 21:30 horas
42 galerías nacionales e internacionales de Arte Contemporáneo (pintura, escultura,
instalación, fotografía, nuevos soportes tecnológicos, obra gráfica, dibujo y múltiples).
ARTESANTANDER afronta esta nueva edición con su formato “Solo Projects”, -que
puso en marcha hace siete ediciones-, adaptado a una necesidad del mercado del arte,
y una puesta en escena que sintoniza más con la sociedad en general.
97 proyectos presentados, 90 pasaron definitivamente a valoración del comité de
Selección, compuesto en esta edición por: Beatriz Espejo (comisaria e historiadora del
arte contemporáneo), Susana Blas (crítica de arte), Emilio Navarro (gestor cultural y
comisario de arte), Moisés Pérez de Albéniz (galerista) y José Manuel Navacerrada
(coleccionista de arte).
Esto es posible gracias al apoyo total de las dos instituciones que organizan la feria
(Consejería de Cultura, Educación y Deporte del Gobierno de Cantabria y
Ayuntamiento de Santander) y a su equipo directivo; lo que les permite permanecer
expectantes a todo aquello que puede potenciar la feria, y adaptarse a los diferentes
escenarios.
La Feria coincidirá con el Simposio `LOS NUEVOS ENCICLOPEDISTAS El artista como
coleccionista / El coleccionista como artista´, que se celebrará entre los días 16 y 18,
dentro del Programa de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP), -esta
iniciativa se realiza conjuntamente con el Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) y la
Asociación de Coleccionistas Privados de Arte Contemporáneo 9915, en colaboración
con la Fundación Banco Santander y la Fundación DKV.
La ampliación del número de miembros del Comité de Selección de la Feria y la
decisión de que cada galería presenta un único artista son algunas de las novedades,
ya anunciadas en la presentación de esta edición a principios de año.
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Galería Proyecto ARTISTA
1. Adora Calvo (Salamanca) -The Brain of the Planet Lorena Amorós
2. Álvaro Alcázar (Madrid) David Nash
3. Ángeles Baños (Badajoz) – La relación Estable Manuel Antonio
Domínguez
4. Artizar (Tenerife) Fies(t)ole Julio Blancas
5. ATM (Asturias) – El primer obstáculo: la experiencia básicaClara Sánchez Sala
6. Cànem (Castellón) Bodies & Places: Affection Claudio Zulian
7. CarrerasMugicas (Vizcaya) Ser dos June Crespo
8. Collblancespaid’art (Castellón) Mujer. Identidad y Memoria Art al cuadrat
9. COLLECTIVA gallery (Alemania) Heat Wave Petra Lindholm
10. Espacio Alexandra (Cantabria)-Clever Beasts Invented Knowledge
HondartzaFraga
11. Espacio Marzana (Vizcaya) Autorretrato Elena Goñi
12. Espacio Mínimo (Madrid) Memoria Ana Vidigal
13. Espacio Olvera (Sevilla) Sobre todas las cosas Arturo Comas
14. EspaiTactel (Valencia) Hardware Fetish Carlos Sáez
15. Espiral (Cantabria) La dimensión del espacio Carmen Anzano
16. Estela Docal (Cantabria) Desayunos con Bacon Faustino Cuevas
17. Estudio Arte Contemporáneo (Cuba) -Diacronías de un Puzzle The-Merger
18. EtHall (Barcelona) Juande Jarillo
19. Freijo (Madrid) Memory Works Marcelo Brodsky
20. Gema Llamazares (Asturias) La noche cede Jesús Zurita
21. Guillermina Caicoya art projects (Asturias) Serie de espacios
Tamara Arroyo
22. Javier López & Fer Francés (Madrid) – Las líneas del destino -Marina Vargas
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23. JMgalería (Málaga) El facistol para el coro Ramón David Morales
(ecos a Beato de Liébana)
24. José de la Fuente (Cantabria)- Historia de la pintura en Bilbao- Raúl Hevia
25. José de la Mano (Madrid) – Gómez Perales y el Centro de Cálculo
José Luis Gómez Perales
26. Juan Silió (Cantabria) Joan Fontcuberta
27. KrupicKerstingllKuk (Alemania) Circle Surface Sun Eden/Lernout
28. La Caja Negra (Madrid) De Altamira a Ciudad Satélite MathiasGoeritz
29. Moisés Pérez de Albéniz (Madrid) Más aire Guillermo Mora
30. My Name’s Lolita Art (Madrid) Espacios Infinitos Illán Argüello
31. OgamiPress (Madrid) Alsob (como si) Pedro Luis Cembranos
32. Prometeogallery di Ida Pisani (Italia) – Art, body and nature.
María José Arjona
33. Puxagallery (Madrid) Paraíso Santi Lara
34. Rafael Ortiz (Sevilla) La poética del orden José María Báez
35. Rafael Pérez Hernando (Madrid) Miguel Ángel Barba
36. Rodríguez Gallery (Polonia) Pronostic MichalSmandek
37. Satélite (México) Apuntes para después del colapso José Castiella
38. Set EspaiD’Art (Valencia) Antigesto (rizomas) Sergio Barrera
39. Siboney (Cantabria) Vicky Uslé
40. Silvestre (Madrid) Tercer paisaje Catarina Botelho
41. Vanguardia, Arte Contemporáneo(Vizcaya) Geometra Mabi Revuelta
42. Yusto/Giner (Marbella-Málaga) Muñecas bravas Ana Barriga
ARTESANTANDER mantiene el Programa de Coleccionistas, a partir de este momento
incentivando la presencia de responsables de museos, centros de arte y colecciones
con la intención de convertirse en un observatorio de propuestas, un «semillero» de
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artistas accesible a los máximos responsables del arte contemporáneo a nivel nacional
e internacional.
Se amplía el Programa Visiones UrbanasXIV EDICIÓN Intervenciones artísticasen la
Ciudad de Santander
Colaboran:
 Aparcamiento Plaza del Machichaco (antigua Plaza de las Cachavas).
Colaboración con Aparcamiento FERRY
 Aparcamiento Calle Castelar. Colaboración con INTERPARKING
 Aparcamiento Plaza de Pombo. Colaboración con EMPARK
 Aparcamiento Plaza de la Esperanza. Colaboración con INTERPARKING
 Aparcamiento Plaza de Numancia. Colaboración con MASAVEU
APARCAMIENTOS Nueva incorporación
ARTISTAS SELECCIONADOS
 CALLE CASTELAR
Arturo Comas
S/T (Mesa, pelota, globo terráqueo, cuerda y aro (2017) Fotografía
Cortesía de la galería Espacio Olvera (Sevilla)
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Manuel Antonio Domínguez
Uniformidad de desencuentro. 2018 Acuarela
Cortesía de la galeríaÁngeles Baños (Badajoz)
Julio Blancas
Tryptico (detalle) 2014-2015 Lápiz sobre telaCortesía de la galeríaArtizar(Tenerife)
Ramón David Morales
El sol, la hostia y el oro. 2017 Acrílico sobre lino
Purificador blanco y cáliz de oro. 2017Acrílico sobre lino
Cortesía de JMgalería(Málaga)
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 PLAZA DEL MACHICHACO
Guillermo Mora
Más Aire XX 2017 Acrílico sobre papel
Cortesía de la galería Moisés Pérez de Albéniz (Madrid)
Miguel Ángel Barba
Sin título 2015 Grafito, lápiz de color y acrílico/lienzo
Cortesía de la galería Rafael Pérez Hernando (Madrid)
Ana Barriga
Los inadaptados 2018 Mixta sobre lienzo
Cortesía de la galería Yusto/Giner Marbella (Málaga)
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 PLAZA DE POMBO
Marina Vargas, cortesía Galería Javier López & Fer Francés (Madrid)
Piedad invertida o la madre muerta 2013. Resina de poliéster policromada
 PLAZA DE LA ESPERANZA
Marcelo Brodsky
Madrid, Universidad Complutense, 1968. 2018 Fotografía impresa sobre papel de algodón
Hahnemuhle intervenidas con crayón y acuarelas por el artista
Cortesía de la galería Freijo (Madrid)
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 PLAZA DE NUMANCIA
Carlos Sáez
S/T (Hardware Fetish series).2018 Escultura. Dimensiones variables. Hierro, aluminio, resina
epoxi, cable
Cortesía de la galería EspaiTactel (Valencia)
Mads Berg
Cortesía de Santander Music
(Santander)
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PROGRAMA CULTURAL
`ARTESANTANDER OFF – MICROEVENTOS´
 Sábado 14 julio de 2018 de 17:00 a 21:30 horas. Jornada de
Inauguración. 18:00 horas, Apertura Oficial a cargo de las autoridades e
invitados
(Espacio Eventos. Salón Sardinero. Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander)
20:00 h: Presentación del libro “LostYear’s Word” de Raúl Hevia.
Intervienen: Alberto Santamaría y Raúl Hevia
Introducción de libro. Los participantes explican su gestación y contenido.
El trabajo de Raúl Hevia, Oviedo, 1965, se desarrolla en torno al
cuestionamiento de los modos de narración de la intimidad, las formas de
expresión del yo contemporáneo, a través de soportes como fotografíay
vídeo, subrayando la parte plástica del lenguaje escrito y la transposición de
lo verbal a lovisual. Plantea la intimidad como forma espectacular, lo privado
como acto público, y la perversión que motiva esta transposición de lugares;
investiga la facultad de la memoria para friccionar cadarealidad (cada yo),
alterarla, y las relaciones o escalas que se establecen entre el archivo y la
actualidad.
Alberto Santamaría, Torrelavega, 1976.
Es profesor de Teoría e Historia del arte en la Facultad de Bellas de la
Universidad de Salamanca. Es autor de diversos ensayos sobre arte, literatura y
política. Así mismo es autor de varios libros de poesía.
 Domingo 15 de julio de 2018
MASTERCLASS DENTRO DEL PROGRAMA SANTANDER MUSIC
De 11:00 a 14.30 horas. Sala de prensa. Masterclass impartida por Mads Berger
(Espacio Eventos. Salón Sardinero. Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander)
18:00 h.Presentación obras y creación artística de Hondartza
Fraga.
La artista Hondartza Fraga dará una charla sobre las nuevas obras expuestas en
Artesantander y la investigación actual que lleva a cabo explorando nuestra
exploración y percepción del universo. A través del dibujo, Fraga explora los
instrumentos y las estructuras que utilizamos para comprender, medir y
representar el mundo que nos rodea. Su trabajo explora cómo las
representaciones astronómicas afectan nuestra relación con lugares remotos y
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como el arte puede proporcionar lecturas y modos de conocimiento
alternativos. Está investigación es parte de sus estudios de doctorado en la
School of Design, en la Universidad de Leeds, con una beca del White Rose
College of the Arts and Humanities (WRoCAH).
Nacida en Cabans (A Coruña) en 1982, Hondartza Fraga vive en el Reino Unido.
Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, en 2007 completó
su Máster de Bellas Artes en Sheffield HallamUniversity and actualmente cursa
estudios de doctorado en la University of Leeds. Hondartza expone
internacionalmente y su obra se encuentra en varias colecciones de galerías y
museos en el Reino Unido. Su obra está representada por el Espacio Alexandra.
Exposiciones individuales recientes incluyen Distancia Irresistible en la
Biblioteca Central de Cantabria (2017), Archive Blues en Leeds Art Gallery
(2017-18) y From DarkMatterto White Noise, BarnabyArts Festival, Macclesfield
(2016).
Becas y premios
2017 Beca completa de doctorado de the Arts and Humanities Research Council a través de
un premio del White Rose College of the Arts & Humanities (WRoCAH), Universidad de Leeds
2015 The Tetley’s 2015 Collection. Seleccionada The Tetley, Leeds
2014 Beca Arts Council England Grantfor the Arts para el proyecto Curio•sea•ty; un Proyecto
colaborativo con la artista Lorna Barrowclough
Exposiciones individuales
2017 Irresistible Distance, School of Design, University of Leeds, UK
“” Distancia Irresistible, Biblioteca Central de Cantabria, comisariado por Alexandra García
Núñez de Espacio Alexandra, Santander, ES
2016 Not for Navigation, The International 3, Salford, Manchester UK
“” From Dark Matter to White Noise, Barnaby Arts Festival, Macclesfield UK
2015 The Sea Full Stop, Manchester Art Gallery, Manchester UK
“” Curio•sea•ty, East Street Arts Project Space, Leeds y South Square Gallery, Bradford UK
19:30 h: Conferencia: Introducción al mercado del arte `Qué
sabemos del mercado del arte´, a cargo de Rosario Crego, doctora por
la Universidad Autónoma de Madrid.
Resumen
¿Qué sabemos del mercado del arte?
El mercado del arte es un mercado dispar que oscila entre el lujo y la miseria, entre los
millones de euros que se pagan en las casas de subastas y las pequeñas cantidades que
reciben por sus obras la mayoría de los artistas. Es un mercado que no solo exige un
análisis económico, sino también sociológico y cultural, pues la obra de arte tiene un
coste monetario, pero también un valor artístico e histórico. La determinación de ese
valor corre a cargo de diferentes instancias culturales: historiadores de arte, críticos,
eruditos, expertos, galeristas, coleccionistas, casas de subastas e intermediarios
En esta conferencia, Charo Crego estudiará la manera en que se articulan y actúan
todos estos actores. En primer lugar, analizará el mercado de arte primario y sus
diferentes instancias: las galerías, las ferias, las exposiciones, los coleccionistas y
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museos; en segundo lugar, examinará el mercado secundario y, sobre todo, la función
de las casas de subastas.
Por último, tratará el carácter especial de la obra de arte como mercancía y las
estrategias que lleva a cabo el mercado del arte para destacar su irremplazabilidad y
singularidad, a pesar de que hoy, más que nunca, los artistas se sirven de medios de
reproductibilidad técnica, como la fotografía, el videoarte o el arte digital.
Charo Crego.Villava (Navarra 1954)
Estudios:
Licenciada en Filosofía por la Universidad Autónoma de Madrid. Cursos de postgrado
de dos años de duración en Estética y Semiótica en la Sorbona y en la École des Hautes
Études de París. Doctora por la Universidad Autónoma de Madrid con una tesis
doctoral sobre el neoplasticismo neerlandés. Durante la preparación de esta tesis ha
investigado en archivos y colecciones holandeses.
Publicaciones:
La tesis se publicó posteriormente en 1997 en la editorial Akal con el título Espejo del
orden. El arte y la estética del Grupo holandés «De Stijl».
Durante años ha colaborado y publicado en varias revistas culturales sobre temas de
filosofía, estética e historia del arte. Entre estas, en España, en la revista animada por
Valeriano Bozal La Balsa de la Medusa y en Bélgica en la revista Streven.
Ha traducido del holandés escritos de artistas de «De Stijl»: Mondrian, Van Doesburg
y Oud.
En 2004, publicó en la editorial Abada Geografía de una península: la representación
del rostro en la pintura, un estudio dedicado a trazar los avatares que la imagen del
rostro ha sufrido a lo largo de la historia de la pintura.
En 2007, publicó en Abada el libro titulado Perversa y utópica. La muñeca, el maniquí
y el robot en el arte del siglo XX. En la que se hace un recorrido por estos personajes
que de repente aparecieron en la pintura de principios del siglo veinte: el maniquí, el
robot o la muñeca. Estos personajes se hacen eco, por una parte, de la inclinación
hacia lo negativo, lo monstruoso, lo perverso del hombre, pero por otra señalan la vía
de la utopía, clara y perfecta. Este libro muestra cómo lo grotesco del monstruo y la
frialdad de la máquina conviven en lo más profundo del ser humano.
En 2015, ha publicado Lo que no te conté de Francis Bacon en la editorial Abada.
Comisariado:
Comisaria de una exposición dedicada al artista anglolibanés Sean Mackaoui en el
Círculo de Bellas Artes de Madrid en 2008, titulada Zoco.
 Lunes 18 de julio
18:00 horas. Visita a ARTESANTANDER de los participantes en el
encuentro `LOS NUEVOS ENCICLOPEDISTASEl artista como coleccionista
/ El coleccionista como artista´, organizado porla Asociación de coleccionistas
9915, el Instituto de Arte Contemporáneo y la Universidad Internacional
Menéndez Pelayo, bajo dirección de Joan Fontcuberta
(Espacio Eventos. Salón Sardinero. Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander)
18:45 horas. Presentación del segundo número de la revista
Papeleo. Cuadernos DrawingRoom, titulado PortefólioPortuguês.
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Intervienen: Maria do Mar Fazenda, directora artística DrawingRoom Lisboa
Emília Ferreira, Directora del Museu Nacional de Arte Contemporânea – Museu
do Chiado, Lisboa
Mónica Álvarez Careaga, directora DrawingRoom (Madrid, Lisboa)
Resumen actividad: El segundo número de la revista Papeleo. Cuadernos
DrawingRoom, titulado PortefólioPortuguês, será presentado en la feria Artesantander
el lunes 16 de julio en el Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander. Este
segundo número surge con motivo de la celebración de la primera edición de la feria
especializada en dibujo contemporáneo DrawingRoom Lisboa que tendrá lugar del 10
al 14 de octubre de 2018 en la Sociedade Nacional de Belas Artes, de la capital
portuguesa.
Los 25 artistas reseñados han sido seleccionados por Maria do Mar Fazenda, directora
artística de DrawingRoom Lisboa, son: Adriana Molder, Ana Pérez-Quiroga,
AntónioPoppe + JoanaFervença, Claire de Santa Coloma, Dayana Lucas, Gabriela
Albergaria, Hugo Canolias, Marta Wengorovius, MattiaDennise, Miguel Ângelo Rocha,
Musa paradisiaca, Nuno Henrique, Paulo Lisboa, Pedro A.H Paixão, Pedro Gomes,
Ramiro Guerreiro, Rui Horta Pereira, Rui Moreira, Sara Chang Yan, Susana Gaudêncio y
Vasco Araújo.
Papeleo. Cuadernos DrawingRoom es una publicación de periodicidad semestral
dedicada al dibujo contemporáneo internacional. Su misión es apoyar el trabajo de
investigación y divulgación en este ámbito que realiza la feria DrawingRoom Madrid /
Lisboa, con la intención de ser un observatorio de la práctica dibujística de los artistas
actuales.
María do Mar Fazenda
Curadora e investigadora de arte contemporáneo. Directora artística de DrawingRoom
Lisboa. Es comisaria independiente e investigadora del Instituto de Historia del Arte de
la Universidad NOVA de Lisboa. En este momento, prepara la exposición Artist’s Film
International para inaugurar en octubre en el MAAT, Museo de Arte, Arquitectura e
Tecnología de Lisboa.
Destacan dos proyectos curatoriales recientes: las exposiciones de Miguel Ângelo
Rocha, Spielraum (galería águas-livres 8, 2018) y de SérgioTaborda, Desenhos-Acções
(Fundación Carmona y Costa, 2016), una exposición colectiva resultante del Premio de
Curadoria AMJP-EGEAC 2015 (Atelier-MuseuJúlio Pomar, 2016) y la programación del
Espaço Arte Tranquilidade 2012/2014. Es miembro de AICA – Asociación Internacional
de Críticos de Arte, desde 2010.
Emília Ferreira
Directora del Museu Nacional de Arte Contemporânea-Museu do Chiado, Lisboa,
Portugal. Licenciada en Filosofía por la Facultad de Letras de Lisboa (UL); con un
máster y doctora en Historia del Arte Contemporáneo por la Facultad de Ciencias
Sociales y Humanidades (NOVA) e investigadora integrada del Instituto de Historia del
Arte (FCSH / NOVA), en la línea MuseumStudies.
Comisaria de exposiciones de artes plásticas desde 1998. Colaboradora de la
FundaçãoCalousteGulbenkian desde 1997. De 2000 a 2017 ha trabajado como
programadora, investigadora, curadora y educadora en Casa daCerca – Centro de Arte
Contemporânea (Almada, Portugal).
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Mónica Álvarez Careaga.
Historiadora del arte por la Universidad de Oviedo y museóloga por la Ecole du Louvre
(París), su trayectoria profesional incluye importantes responsabilidades en la
organización de festivales, exposiciones y ferias de arte contemporáneo. Dirige la feria
de dibujo contemporáneo DrawingRoom, con sedes en Madrid y en Lisboa. Fue la
directora del Festival nacional Miradas de Mujeres en 2014. De 2007 a 2011 fue
asesora artística de la feria de arte contemporáneo Arte Lisboa. Ha sido responsable
de proyectos comisariados de las ferias Arco Madrid, Swab Barcelona, Set Up Bologna,
Art Beijing y Mia Photo Milano.
Su trabajo como comisaria de arte contemporáneo incluye numerosas muestras
individuales de artistas como CandidaHöfer, CangXin, Pedro Barateiro, Ellen Kooi,
Georges Rousse, Wolf Vostell, Sara Huete, Iñaki Larrimbe, Rosa Muñoz o Concha
García y colectivas en España, Portugal, Alemania, Polonia, Bélgica, Estados Unidos,
China y Japón. Ha sido responsable de la Colección Norte (Gobierno de Cantabria),
asesora de la Candidatura de Santander a Capital Europea de la Cultura 2016
(Ayuntamiento de Santander), de la Bienal Urdaibaiarte (Gobierno Vasco), de la
Fundación Alimerka, de la Fundación Centenera Jaraba y del Premio de Arte
Grünenthal entre otros proyectos culturales. Asimismo, fue fundadora y presidenta de
PECCA, Plataforma de las Empresas Culturales.
20.00 horas. Presentación del libro «Catábasis», de Santi Lara.
Intervienen: Susi Blas, historiadora de arte y comisaria de exposiciones
Santi Lara, artista.
Ángel Antonio Rodríguez, historiador de arte y director de AlNorte, Semana de
Arte Contemporáneo de Asturias.
Este libro, aún inédito, resume las experiencias de Santi Lara durante su estancia en
Roma 2017-2018, como uno de los becarios de la Academia de España. El resultado de
sus trabajos se expuso en Puxagallery (Madrid) en septiembre-noviembre 2017 y en
algunas exposiciones colectivas, como «Las formas del alma», comisariada por Susi Blas
y expuesta en el Instituto Cervantes. «Catábasis» alude al descenso a los infiernos, y se
nutre de los diálogos entre el autor y la capital romana, entre la historia clásica y la
creatividad contemporánea. Sus últimas pinturas, evolución de aquellas experiencias
italianas, se presentan en ArteSantander 2018, en el stand de Puxagallery.
 Martes 17 de julio.
(Espacio Eventos. Salón Sardinero. Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander)
18:30 h.NOCAPAPER: Conversación entre la editora, Noemí Méndez y
Marta Mantecón sobre el libro Observer, observed de Enrique Marty y en
torno al primer aniversario de la colección de MANIFIESTO (manifiestos de
mujeres artistas contemporáneas)
20:00 h:PROGRAMA CONFLUENCIAS invita a Nerea Ubieto en charla abierta
con los ciudadanos sobre las profesiones artísticas en el arte contemporáneo
Enrique Marty (Salamanca 1969). Vive y trabaja en Salamanca. Licenciado en Bellas
Artes en la Universidad de Salamanca, 1992.Beca Fundación Marcelino Botín, 1996-
1997.
Exposiciones individuales (selección):
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«Sense of failure». Deweer Gallery, Otegem, Bélgica. 2017
«Alguien, creyendo que hacía algo bueno, liberó a las serpientes». Capilla del Museo
Patio Herreriano, Valladolid. 2016
«Estoy en un momento muy delicado». La Gran, Valladolid. 2015
“Reinterpreted”. Deweer Gallery. Otegem, Bélgica. 2015
“Enrique Marty. Terapia de grupo, acto de fe, cuarto oscuro”. Comisario Paco
Barragán. Domus Artium 2002 (DA2). Salamanca, España 2014
“A house might be a lethal weapon”. Comisario Peter Swinnen. Atelier
VlaamsBouwmeester.Bruselas, Bélgica. 2014
“Reinterpretada I”. Comisario Rafael Doctor. Museo Lázaro Galdiano, Madrid. 2014
Teratologías II. Cabeza de Pólvora. CCEC. Córdoba, Argentina. 2014
Teratologías. Marina Nuñez vs Enrique Marty, (TwoPerson Show). Comisaria Isabel
Tejeda. CCEBA. Buenos Aires, Argentina. 2013
“SoftCockney”. Deweer Gallery. Otegem, Bélgica. 2013
“Las tres Transformaciones…” Galería Enrique Guerrero. Ciudad de México. 2011
“Art isDangerous”. Solo Project, Deweer Gallery.Art. Bruselas, Bélgica. 2011
“HablemosdelMilenarismo!” EspacioMarzana. Bilbao. 2011
“Ghost´s Spirit”.One and J Gallery.Seoul, Korea. 2010
“Premiere”.Comisaria Stefanie Muller. Kunsthalle Mannheim. Mannheim, Alemania.
2010
“Sainte Guillotine”. Deweer Gallery.Otegem, Bélgica. 2010
Noemí Mendez
Profesional del sector editorial, cultural y comunicación. Licenciada en Bellas Artes.
Especialidad en Comunicación y Audiovisuales, Grabado y estampaciónUniversidad de
Salamanca1996 – 2001.Editora en NOCAPAPER BOOKS & MORE, S.L.
Colaboradora habitual en:ABC CULTURAL – MASDEARTE contenidos digitales –
Colaboradora puntual en: PAC, 967 Arte, BEIS, El Diario Montañés…
Marta Mantecón
Gestora cultural española y escritora de arte contemporáneo especializada en arte y
género, feminismos e interculturalidad.
Formación y desarrollo profesional
Es licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid en 1997 y
diplomada en Turismo por la Escuela Superior de Turismo de Santander en 1993. Inicia
su actividad profesional en 1999 como trabajadora del arte, realizando labores de
gestión cultural, comisariado y coordinación de proyectos culturales, investigación y
textos de arte contemporáneo y cultura visual desde la perspectiva de género.
Su trabajo de comisaria de exposiciones y coordinadora de proyectos culturales, le
proporcionan la posibilidad de investigar diferentes campos del arte.
Nerea Ubieto
Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, trabaja como
comisaria independiente, gestora y crítica en diversas publicaciones de arte. Entre sus
últimas exposiciones destacan: “La amenaza invisible” en Sala Amadis, Madrid, hasta
septiembre del 2017; “Keep calm and carry on”, inaugurada en Tabacalera Madrid
y actualmente en itinerancia por Latinoamérica,“Empoderadas” en la Casa de la
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Mujer de Zaragoza o “El barco de Teseo”, resultado de las Ayudas para la Creación
Joven del Instituto de la Juventud (Injuve).
 Miércoles 18 de julio.
19:30 horas. Presentación de la edición del XXX Aniversario del
Palacete del Embarcadero, ‘Palacete del Embarcadero 1985-2017’,
a cargo del sociólogo de la Universidad de Cantabria, Javier Díaz y el redactor
jefe de El Diario Montañés, Guillermo Balbona , Jaime González, Presidente de
la Autoridad Portuaria y Carlos Limorti, responsable de las actividades
culturales.
 Visitas Guiadas en ARTESANTANDER Domingo, 15, Lunes 16, martes, 17
y miércoles 18
19:30 horas. Visitas guiadas de la feria para grupo de 8/10 personas.
Dentro del Programa Espora, responsables Noemí Méndez (cv incluido en
actividad anterior) y Carmen Quijano (Historiadora del Arte. Gestora Cultural y
Comunicación, coordinadora de exposiciones y proyecto artísticos, redactora de arte.
Diseñadora gráfica)
La finalidad de este proyecto es crear puntos de encuentro entre los profesionales de
las artes plásticas de Santander y los ciudadanos que no tienen conocimientos
específicos en esa área. Actividad disponible POR PRIMERA VEZ EN ARTESANTANDER
también para personas con discapacidad auditiva.
VISITAS GUIADAS A LA FERIA ARTESANTANDER POR EL PROYECTO ESPORA:
19:30: DOMINGO 15: Miguel Ángel García (ruta en torno a la fotografía)
19:30: LUNES 16: Nekane Manrique y Víctor Alba (ruta en torno a la pintura) visita
asistida por FESCAN adaptada para sordos
19:30: MARTES 17: Manuel Diego Sánchez (ruta en torno a lo instalativo)
19:30: MIÉRCOLES 18: Sonia Higuera / Zaida Uslé
Para establecer lazos con las actividades culturales de la ciudad –una de las prioridades
del programa– y reforzando la XXVII Edición de Artesantander, el proyecto dará
comienzo con una serie de visitas diarias guiadas a la feria. La asistencia a las visitas
será gratuita, bajo inscripción previa y hasta completar aforo.
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PROGRAMA ESPECÍFICO PARA PÚBLICO INFANTIL
TALLER MENUDO – MENUDO ARTE
Taller de arte y desarrollo de la creación plástica destinado al público infantil. Se realiza
durante la XXVII Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Santander,
ARTESANTANDER 2018.
EDAD: Destinado a niños y niñas de edades comprendidas entre los 6 y 12 años.
FECHAS: Comienzo de la actividad: Sábado 14 de julio. Finalización: Miércoles 18 de
julio.HORARIO: 17:30 a 21:00 horas.
OBJETIVOS: Se realizarán visitas guiadas al propio recinto expositivo de Artesantander,
creando una sinergia con el área de los stands que acogerá las diferentes propuestas
artísticas de las galerías y los artistas presentes, para que los niños interactúen con las
obras y participen en el dinamismo de la feria.
Taller infantil con divertidos ejercicios prácticos donde se experimentan y desarrollan
conceptos sobre el Arte Contemporáneo.
——————————
También proponemos talleres multigeneracionales y familiares para desarrollar
durante las sesiones de “Arte Menudo, Menudo Arte” en las que la creatividad será
siempre el eje vertebrador para un mejor conocimiento y disfrute del arte
contemporáneo.
Todos los talleres gratuitos tendrán una duración de 2 horas y media en el mismo
recinto de la feria.
Talleres:
Domingo 15: TALLER DE ARTE OPTICO
DESCRIPCIÓN: Tomando como referencia a la artista Bridget Riley utilizaremos formas
geométricas potentes en blanco y negro y en color, para causar sensaciones eilusiones
sorprendentes.
Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas, los
contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos, los cambios de forma o
tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras; también utiliza figuras geométricas
simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos.
OBJETIVOS: Crear una obra artística abstracta basada principalmente en la representación
pictórica de un fenómeno óptico que de la sensación de que está en movimiento. Para crear
estas ilusiones ópticas se utilizan estructuras repetidas que tiene un orden determinado. Para
ello realizaremos plantillas con cartulina de diferentes formas.
Lunes 16: TALLER DE ORIGAMI
DESCRIPCIÓN: Se explorarán las posibilidades del papel como elemento constructivo. Para ello
se irán añadiendo dobleces a un módulo muy sencillo con el fin de proporcionar consistencia a
las piezas y comprender el proceso de creación de un modelo.
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OBJETIVOS: Tomando como base el módulo cuadrado de Stephan Gigandet trabajaremos con
el color, la abstracción y la simplificación para crear composiciones artísticas a modo de
mosaicos.
Martes: 17: ESTA HISTORIA ES “VERDAZ”: TALLER DE FOTO
La obra de Joan Fontcuberta, uno de los grandes maestros contemporáneos de la fotografía,
nos va a servir de base para este taller destinado a niños entre 8 a 12 años
Vamos a centrarnos en algunos de sus proyectos, en esos que tratan de cuestionar el papel de
documento objetivo que se ha podido atribuir a la imagen fotográfica, esos que como él dice
sirven de vacuna contra mentiras más grandes y que son, ante todo, una valiosa pedagogía de
la duda.
Haremos uso de los ejemplos de Sputnik y su cosmonauta ruso perdido en el espacio, de los
fósiles de sirenas o hydropitecus descubiertos en Salamanca y de Fauna y las especies
animales de un olvidado zoólogo alemán que salieron a la luz gracias al descubrimiento de sus
archivos.
Con estas historias hablaremos de la capacidad de narrar con la fotografía, de inventar
ficciones y mentiras y de hacerlas pasar por verdad. De ahí debe nacer nuestra necesidad de
cuestionarlo todo, de no creer en las imágenes sin más, de ser conscientes de que nos pueden
estar engañando o manipulando.
Después de contarles estas tres historias de Fontcuberta les vamos a pedir a ellos que se
inventen una propia con fotografías con las que generaremos un pequeño libro.
Cada asistente va a recibir un sobre con 28 fotos 10+15 impresas en papel folio. De ellas deben
quedarse con la mitad y descartar la otra. Después generando una secuencia, combinando
unas imágenes con otras y ayudándose de leguaje escrito van a poder crear su propia ficción.
Para ello vamos a hacerles un retrato ambientado que imprimiremos y que va a servir de
comienzo del libro. Además, haremos alguna impresión más de su retrato para que pueda
recortarlo y pegarlo sobre las fotos que le entregamos, de tal forma que el niño se convierta en
el protagonista de la historia.
El libro lo haremos doblando folios a modo de librillo, con una cartulina de cubierta y una
goma uniendo todo.
Miércoles 18: TALLER DE FIMO
DESCRIPCIÓN: Se trabajaran las tres dimensiones valiéndonos de pasta para moldear. El
modelo será un dinosaurio Cuello Largo que tendrá también la función de bolígrafo. Una
ventaja de la pasta moldeable Fimo respecto a la plastilina convencional es que es posible
mezclar colores. Al amasar dos colores juntos durante poco tiempo se consigue un «efecto
mármol», mientras que al prolongar la operación la mezcla se hace cada vez más homogénea.
OBJETIVOS: Moldear la pasta fimo para conseguir un dinosaurio Cuello Largo.
De Sábado a Miércoles: MURAL PARA COLOREAR
DESCRIPCIÓN: Un gran panel dispuesto a modo de friso corrido que acoja al visitante según se
entra en la feria como el abrazo de un mandala gigante que invite a dejar su huella en él.
TALLER PARA TODAS LAS EDADES.
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Rotuladores de todos los colores estarán disponibles a lo largo del panel para que se utilicen
con total libertad logrando que por un rato el visitante de la Feria de Arte se convierta en
artista desarrollando su expresión y comunicación a través del color.
OBJETIVOS: La idea de creación colectiva, de dibujo colectivo provocara en los visitantes un
sentimiento de que forman parte del proyecto, estimulándolos de una manera positiva a todo
lo que se visualice y se experimente durante su recorrido por La Feria. “LA FERIA SOMOS
TODOS”.
También será la excusa perfecta para que los más jóvenes compartan con sus mayores una
actividad lúdica, creativa y cultural.
La pintura es algo que podemos hacer en compañía de otras personas, favoreciendo así
relaciones de amistad y buenos ratos junto a los amigos. Es una forma de estar despejados,
tranquilos, trabajando con nuestro cerebro y divirtiéndonos al mismo tiempo.
CONTENIDOS: El mural proporcionara placer y diversión, creando una actitud positiva en el
visitante pues es una actividad que ayuda al ámbito comunicativo ya que permite expresar de
forma diferente lo que sentimos y lo que queremos.
Colorear, el sencillo acto de iluminar superficies desnudas, tiene algo más que un propósito de
creación. Es un ejercicio de liberación, de conexión con nuestro propio interior.
Colorear también estimula la fantasía y pone en acción nuestra capacidad para percibir y
responder emocionalmente a estímulos visuales por lo que el visitante percibirá de una
manera más intensa los contenidos de ARTESANTANDER.
Nota: Este programa puede quedar sujeto a cambios y/o anulaciones por cuestiones organizativas
INFORMACIÓN GENERAL
DENOMINACIÓN: Vigésimo séptima edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo
de Santander, ARTESANTANDER´18
CON EL APOYO DE:-Consejería de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de Cantabria.
Ayuntamiento de Santander.
LUGAR, FECHAS Y HORARIOS: ARTESANTANDER´18 se celebra en el Palacio de Exposiciones y
Congresos de Santander (Calle Real Racing Club, 3, 39005 Santander, Cantabria).
Inauguración oficial y Presentación Medios de Comunicación: SÁBADO 14 de julio, 18:00 horas
Abierto al público (ENTRADA GRATUITA):
SÁBADO 14 de julio de 17:00 a 21:30 horas.
DOMINGO 15 de julio de 17:00 a 21:30 horas.
LUNES 16 de julio de 17:00 a 21:30 horas.
MARTES 17 de julio de 17:00 a 21:30 horas.
MIERCOLES 18 de julio 17:00 a 21:30 horas. CLAUSURA
CONTENIDOS :42 galerías de Arte Contemporáneo (pintura, escultura, instalación, fotografía,
nuevos soportes tecnológicos, obra gráfica, dibujo y múltiples).
Dirección de la feria: Juan González de Riancho Bezanilla
e-mail: info@artesantander.comweb: www.artesantander.com

El pasado mes de mayo, en la Royal Academy de Londres, el curador de la 33° edición de la Bienal de São Paulo, Gabriel Pérez-Barreiro (A Coruña, España, 1970), dio una conferencia en la que expuso sobre su trabajo y su proyecto curatorial para la bienal, titulada Afinidades afectivas, que se presentará desde el 7 de septiembre y hasta el 9 de diciembre del presente año en la ciudad brasileña.

Tras la conferencia, Pérez-Barreiro conversó largamente sobre la estructura que ha propuesto para esta bienal, caracterizada por la invitación a siete artistas-curadores, Alejandro Cesarco (Montevideo, 1975); Antonio Ballester Moreno (Madrid, 1977); Claudia Fontes (Buenos Aires, 1964); Mamma Andersson (Luleå, 1964); Sofía Borges (Ribeirão Preto, 1984); Waltercio Caldas (Rio de Janeiro, 1946) y Wura-Natasha Ogunji (St. Louis, 1970), quienes han desarrollado sus proyectos con total “libertad de acción”.

Tomando en consideración la historia de las bienales, su propagación y presencia en distintos lugares del mundo, junto con la situación actual de la práctica curatorial, Pérez-Barreiro propone un proyecto que es una puesta en cuestión de la práctica. Con y mediante su estructura, plantea preguntas sobre los elementos éticos y políticos que, sostiene, son parte de un trabajo sobre el cual es necesario tener una mirada y distancia crítica. En este sentido, para el curador, la próxima edición de la Bienal de São Paulo puede ser pensada, desde ya, como un punto de partida para reflexionar sobre la práctica curatorial y lo que implica tanto a nivel local como internacional.

Joselyne Contreras: Una de las cosas que mencionaste en la conferencia es que cuando te invitaron a la bienal empezaste a pensar en la historia de las bienales y en cómo han sido abordadas por los curadores. Mencionaste también que una de las cosas que te interesaba era invertir la relación entre el artista y el curador. Entonces, me gustaría partir precisamente con esto, con cómo ves la relación curador-artista, tanto en términos históricos como en el presente, y desde dónde estás invirtiendo esa relación.

Gabriel Pérez-Barreiro: Lo del interés por la historia es deformación profesional. Soy historiador, y con la Bienal de São Paulo no puedo tener otra relación que no esté marcada por su historia. Es un lugar emblemático; para cualquiera que conozca la historia del arte latinoamericano ha sido fundamental, y por lo tanto no se puede entrar como si fuera algo que se inventó ayer. Se me juntaron dos ejes, como tu pregunta lo implica: uno es la propia Bienal de São Paulo, que es un terreno muy marcado y significativo por sí mismo. Y por el otro lado, la relación entre curador y artista en el escenario actual.

Cuando me llegó la invitación a curar la bienal, pensé que, ya que me ofrecieron esta posibilidad, un cierto poder (digamos entre comillas), podría ser interesante hacer una contrapropuesta con un gesto de delegación, de confianza en los propios artistas que van a ser mis co-autores del proyecto. Ni yo voy a ocupar el lugar de ellos, ni ellos van a ocupar el mío. Juntos vamos a crear una estructura más horizontal y con la autoría más distribuida. Me siento cómodo con eso y estoy contento con los resultados hasta ahora. Pero creo que independientemente del resultado, que puede agradar más o menos, está bien hacer el ejercicio como experimento, pues la bienal tiene una misión y una historia de experimentación. En general, me gusta pensar antes las estructuras que los contenidos. Y, por otro lado, me quería desafiar a mí mismo y aprender en el proceso. Con la inmensa mayoría de los artistas en esta bienal nunca he trabajado, a muchos no los conocía, porque busqué un modelo generativo, con la esperanza de que sea también una estructura de aprendizaje colectivo.

JC: Señalaste que te interesa pensar las estructuras. Por eso, me gustaría preguntarte, cómo enfrentaste, cómo diseñaste y desde dónde, cómo empezó a surgir el trabajo metodológico en esta curaduría, que es mucho más experimental, como bien decías.

GPB: Es curioso, porque en el campo de la curaduría hay mucho trabajo sobre la historia de la curaduría y las exposiciones, pero hay poco análisis de lo que es estructura de gestión y de producción, y no digo en los detalles, sino filosóficamente. Si lees libros de gestión o de trabajo social, ves mucho pensamiento sobre las relaciones de los equipos y cómo se articula el trabajo colectivo. En la curaduría, curiosamente, eso sucede muy poco. Se ha aceptado al curador jefe con esta especie de omnipoder, como un autor que está por encima de todas las otras voces, más importante que los otros curadores y más importante que cualquier artista que participe. Me parece una estructura autoritaria y paternalista. Me llama la atención que un trabajo tan colectivo, una bienal, que se hace con centenares de personas, con talentos muy variados trabajando duro por años, al final se discuta como si fuera la idea de una sola persona.

JC: Tienes razón, no se piensa mucho en las formas de trabajo

GPB: Curiosamente, el mundo cultural podría tener un liderazgo en este sentido, pero sabemos de prácticas poco éticas en las instituciones, maltrato a equipos, trabajar con un principio de agotamiento y desconfianza, todo eso es muy común.

JC: Cómo ha sido ese proceso, porque no se conocían entre ellos. ¿Cómo ha sido esta tarea que es colectiva pero que tiene que ver con condiciones de trabajo?

GPB: No se conocían los curadores y muchos todavía no se conocen. He tenido reuniones uno a uno con ellos, a veces coinciden en el tiempo y el espacio, y han sido buenos encuentros. El modelo es crear campos de posibilidad, campos de libertad. Para todos ellos la invitación y las condiciones fueron las mismas: te invito como artista y curador; tu obra tiene que estar presente; puedes hacer la museografía que quieras y vamos, en conjunto, a elegir un espacio físico que va a ser tu zona de exposición. Es una estructura con mucha libertad, cada uno trabajando con sus conceptos, con sus ideas. Y han surgido casos interesantes, por ejemplo, el de dos curadores que han elegido a la misma artista, y bueno, si las reglas son así, está bien; además, es interesante porque la eligieron por dos motivos completamente diferentes, y me gusta que una artista no sea una ficha que siempre signifique lo mismo, sino que se pueda ver de dos maneras diferentes en la misma bienal.

En este proceso pensé mucho en la palabra ‘experimentación’, porque se habla mucho del arte experimental y se habla de la curaduría experimental, pero el concepto pide que primero que montes una hipótesis; luego creas unas condiciones de trabajo que se repiten en varios casos, y lo pones en marcha para observar los resultados. Me gusta mucho la idea de pensar que estos son siete experimentos de curaduría.

JC: Es interesante… pero dijiste que hay siete experimentos y no te incluiste a ti, porque tú también tienes un trabajo curatorial ahí …

GPB: Más allá de los 12 proyectos que son de mi selección directa (tres muestras históricas: Feliciano Centurión, Lucia Nogueira, y Aníbal López, y nueve actuales), creo que sí tengo una autoría en la misma estructura. Si bien mi gusto y mis afinidades están presentes en todo el proyecto, el proyecto en sí no necesariamente depende de eso. Se podría hacer este mismo modelo con otros contenidos.

Lucia Nogueira, At Will and the Other [À vontade e o outro], 1989, metal, organza, frijoles negros, bolas de poliestireno, almohadas de plumas, 42 x 135 x 165 cm. Colección Annely Juda Fine Art, Londres. Foto: Lucia Nogueira

JC: En la conferencia hablaste de curatorialism (curatorialismo), y quisiera que profundizaras en eso, porque dijiste que eso tenía ciertas características, ciertos problemas. También me interesa preguntarte qué concepto o qué palabra usarías para describir tu trabajo actual.

GPB: El curatorialism tiene varias características: una es la supremacía del curador como figura, la meta-autoría en esa jerarquía; otra es la predominancia de lo temático como marco conceptual. Hay otra parte que tiene que ver con otro neologismo, que sería About-ism (sobre-ismo), que tiene que ver con lo temático. Muchos artistas, y muchos programas de formación de artistas, te enseñan a decir: “Mi trabajo es sobre x”, y uno se pregunta, bien, pero ¿no es nada más que eso? Si la obra se limita a su tema, el riesgo es que está simplificando mucho la experiencia artística. Una obra, potencialmente, tiene 360 grados de interpretación y de experiencia. Decir mi obra es ‘sobre’ algo funciona de manera mucho más eficiente en el mercado de las ideas; es un pensamiento muy capitalista, en el que los contenidos tienen que estar fácilmente organizados y son sustituibles o desechables. Obviamente, es una exageración, pero en los peores casos, si lo único que importa es el curador y su tema, entonces el arte se reduce a una ecuación y sólo entra en la medida en que se orienta con el tema propuesto. A mí me interesa escuchar a los artistas y el trabajo antes de saber su sobre…. Esa diferencia es muy importante. Evidentemente, es mucho más complejo tener que estar en un mundo de contenidos determinados, pero creo que el arte es eso: si trabajamos en cultura y no en un banco, es porque nos interesa la ambigüedad y la complejidad.

JC: Sigue siendo acerca de la autoría del curador…

GPB: Generalmente sí y ese es el riesgo del curatorialismo, que termines encargando a los artistas tu idea. Siempre trato de tener mucho cuidado con eso, no doy opinión sobre los proyectos, o paso con mucho cuidado. La conversación entre artista y curador es una conversación muy sensible, es como la de un psicoanalista con el paciente en el sentido de que puede ser muy productiva, pero tiene que estar autorizada: no puedes llegar y empezar a dar opiniones sobre las cosas a lo bestia. Es una relación muy sensible, muy vulnerable. Y bueno, en los programas de formación de curaduría ocurre este fenómeno, que como se estudian curadores y no arte, entonces es natural desarrollar una especie de admiración por el gesto curatorial más osado porque es lo que se destaca. El peligro de eso es que uno se desconecte del material con el que, en principio, está trabajando: el campo artístico. El caso más claro es que hay programas de estudios curatoriales en donde la visita a talleres de artista no está incluida como parte del currículo. En ningún momento de los dos años te vas a sentar con la figura que hace lo que, en el fondo, posibilita que tú trabajes en este campo. Hay un determinismo desde el gesto curatorial que infiere el hecho de que yo he hecho esto como curador signifique que a ti te va a pasar esto como espectador o como artista. Es mucho suponer, y en eso existe un autoritarismo implícito que me pone incómodo.

Sobre cómo llamar lo que estoy haciendo, no tengo idea. Creo que es un experimento viable en este momento, en estas condiciones; en la bienal número 33 se puede hacer esto, porque la anterior fue una bienal temática, muy exitosa. Fue una bienal que estuvo muy bien pensada y recibió una respuesta muy positiva. Logró el record de visitantes que ha tenido la bienal. Eso facilita y libera la posibilidad de hacer otra cosa y yo espero que ésta quizás libere otra, que la siguiente pueda ir en otra dirección. Uno hace lo que puede, lo lanza y ya está, no es una pelea que ganar o perder, es lo que es, y cada persona, cada una de ellas, tendrá su experiencia y formará su juicio, y me parece que está muy bien así.

JC: Una de las cosas que mencionaste en la conferencia y que también ha sido mencionada ahora, es la relación con el arte en tanto experiencia, que es muy distinto a lo que decías antes respecto a ‘mi obra es sobre’. Esto tiene que ver con enfrentarse a la obra, ver qué te provoca y dejarte llevar por el trabajo de los artistas. Entonces, te quería preguntar por eso, porque usaste la figura de islas y yo he pensado en constelaciones, que es parecido; imaginaba una constelación y cómo se van produciendo conocimientos distintos y se van mezclando. Pensaba en eso, en cómo es una invitación a una experiencia para generar conocimiento.

GPB: Todo el enfoque del proyecto educativo de la 33° Bienal acerca de las prácticas de atención tiene que ver con eso. Se trata de una aproximación no temática, no discursiva, en la que lo único que se pide es plantarse delante de la obra, dedicarle atención, y vamos a hablar de lo que pasa. En esto Mario Pedrosa fue clarísimo, porque pudo entender que el arte es un sistema de comunicación y de construcción de lenguaje, entonces da un poco lo mismo cuál sea la obra, lo que importa es la construcción de esa relación. Eso me parece una idea súper radical, muy rica para la curaduría. Y un poco esta idea de elegir artistas diferentes, de trabajar con islas, islotes, tiene mucho que ver con eso, que la experiencia acumulativa de la bienal sea diversa y no uniforme.

JC: Mientras te escuchaba hablar, varias veces apareció la palabra poder, la palabra autoridad.

GPB: Leí hace años un libro muy interesante que hablaba de la diferencia entre el poder y la autoridad. El poder se impone, la autoridad se gana. Creo que la mirada generosa es la base de todo. Todo ese proyecto educativo tiene que ver con eso, con cómo podemos acercarnos a cosas que no conocemos desde la abertura y no desde la imposición. Tiene que ver para mí con micropolíticas, con las posiciones en las que las personas se ponen, la capacidad de escuchar, la capacidad de debatir. Otro tema que me parece relevante es la elección del número de artistas que participan; me parece que esa es una decisión política. Si invitas a 400 artistas a participar en una bienal a la que tienes un año y dos meses para organizar, eso para mí es una decisión política porque no vas a tener recursos para ellos, no vas a tener tiempo suficiente de hablar y pensar con ellos. Es una cuestión de recursos reales. El límite de la bienal no es el pabellón de Niemeyer, es nuestra capacidad de atención, de gestión, de escucha.

JC: Y ahí aparece lo que decías de preocuparse por las condiciones de trabajo, que son condiciones de vida.

GPB: Es que la gente vive de esto, y obviamente no es que la Fundación Bienal sea perfecta y ojalá los recursos fueran más, pero sí, por ejemplo, en el mundo del arte contemporáneo está muy generalizada esa cultura de pedir las cosas gratis, no compensar el tiempo de las personas… es un sistema de explotación de contenidos a beneficio del discurso. Una bienal generalmente se piensa como una especie de máquina devastadora de los artistas a beneficio de una supuesta visibilidad. Yo creo que hay que cuestionar todo esto ¿Para qué existen tantas bienales y cuáles son las condiciones? Y muchos tienen este discurso más social, pero creo que, si ese discurso no se apoya en una práctica real, a nivel tierra con las personas reales que están ahí, el riesgo es una inmensa hipocresía de estar hablando estos temas y al mismo tiempo abusando de las personas que tienes cerca.

Claudia Fontes, Foreigners (Extranjeros), 2016, porcelana. Cortesía: Claudia Fontes. Foto: Bernard G. Mills.

JC: Quiero hacerte una pregunta que tú, de hecho, pusiste en tu presentación y que me parece es perfecta. Y es para quién se hacen las bienales, sobre todo pensando en lo que hemos hablado.

GPB: La Bienal de São Paulo ya viene con un público, y eso es muy importante. Y no sólo existe, sino que también existe una política de mediación con ese público por décadas. Yo creo que hay que evitar, en lo máximo posible, la simplificación de los públicos. Cada uno de sus visitantes es un individuo, con su propio universo, es decir, llegará con sus felicidades, tristezas, preocupaciones, desafíos, rechazos, y tendrá su experiencia. Y esa experiencia únicamente pertenece a persona, es parte de su patrimonio de vida, nunca la vamos a poder entender del todo. Puede emitir un juicio, pero el juicio es una parte muy parcial y muy procesada de la experiencia. Uno debería aceptar esa diversidad de miradas, expectativas, diversidad de experiencias, o sea, que incluso esa gente viendo lo mismo no va a pensar lo mismo. Una de las grandes preguntas que te hacen es ‘¿fue un éxito, o no?’ Es que no lo sé. Hay un éxito, que es simplemente inaugurar, llegar a abrir y presentar algo; eso ya me parece un milagro, me parece potentísimo poder abrir un espacio de infinitas posibilidades.

JC: Nuevamente tiene que ver con lo que mencionaste de Pedrosa, cuando dijiste que el significado se construía en el ojo del espectador, y eso es pura experiencia.

GPB: Totalmente. Y la política es experiencia, no es otra cosa. Y Pedrosa lo tenía muy claro: fue el fundador del PT (Partido de los Trabajadores), fue un político de verdad, y él no creía en el ‘arte político’ porque decía que el acto de mirar y construir significado es político, el acto de encontrar una sensibilidad es un acto político… esa es la política del arte. No creo en esa idea de que hay ediciones de la bienal más políticas que otras, creo que todas son políticas simplemente por el hecho de existir. Como experiencia, creo que pasa otra cosa; estoy seguro de que la mayoría de la gente que va tiene otra experiencia que no tiene nada que ver con lo que está en el texto de pared o en el comunicado de prensa, y en el fondo me alegra mucho que sea así.

 


Imagen destacada: Gabriel Perez-Barreiro, curador de la 33° Bienal de São Paulo. Foto: © Pedro Ivo Trasferetti / Fundação Bienal de São Paulo

Otras referencias:

GABRIEL PÉREZ-BARREIRO SOBRE SU CURADURÍA PARA LA BIENAL DE SÃO PAULO 2018. Por Leyla Dunia

http://artishockrevista.com/2017/06/28/gabriel-perez-barreiro-curaduria-la-bienal-sao-paulo-2018/

GABRIEL PÉREZ-BARREIRO Y MICHELLE SOMMER SOBRE MÁRIO PEDROSA. Por Leyla Dunia

http://artishockrevista.com/2017/05/20/gabriel-perez-barreiro-michelle-sommer-mario-pedrosa/

UNA CONSTELACIÓN DE EXPOSICIONES. LO QUE SE VERÁ EN LA 33ª BIENAL DE SÃO PAULO. Por Artishock

http://artishockrevista.com/2018/04/26/artistas-33-bienal-de-sao-paulo/

37 piezas de 26 artistas mexicanos conforman la exposición “Lecturas de un territorio fracturado”

Una muestra de 37 piezas en collage, dibujo, escultura, fotografía, instalación, pintura, serigrafía y video de 26 artistas mexicanos es la exposición colectiva de arte contemporáneo Lecturas de un territorio fracturado, que será inaugurada hoy en el Museo de las Artes (MUSA), de la Universidad de Guadalajara.

Las obras forman parte de la colección de arte del Museo Amparo, de la ciudad de Puebla, que datan de entre 1970 y 2017 bajo un hilo conductor que refleja la diversidad y la fragmentación del territorio mexicano, explicó Cecilia Delgado Massen, curadora de la exposición, junto con Amanda de la Garza.

En conferencia de prensa, la también Directora del Museo Universitario de Ciencias y Artes de la Ciudad de México, explicó que la exposición reúne a artistas de múltiples regiones del país que se articulan en temas que aluden a lo que en algún momento representó la modernidad en el arte.

“Fuimos definiendo ciertos casos de obras que hacían una reflexión crítica sobre esa noción de modernidad, y lo que hoy significa ser contemporáneo, cuáles son las implicaciones de definirse dentro de una cultura mexicana”, aseguró la especialista.

Ramiro Martínez Estrada, Director del Museo Amparo, dijo que esta es la primera ocasión que se presenta parte del acervo contemporáneo fuera del recinto, luego de ocho años de enfocar esfuerzos en la adquisición de este tipo de obras para enriquecer la colección que se compone de piezas prehispánicas, colonial y del siglo XIX.

“Para nosotros es muy importante que se presente en Guadalajara como la segunda ciudad más grande del país, en un espacio universitario que es el lugar ideal para acercar al público a la colección y al arte contemporáneo de México”, aseguró Martínez Estrada.

La Directora del MUSA, maestra Maribel Arteaga Garibay, reconoció que la colección del Museo Amparo es un referente histórico en el arte mexicano, pues posee un amplio acervo que incluye desde el arte prehispánico hasta el contemporáneo.

La Coordinadora de Exposiciones y Educación del museo, licenciada Laura Ayala Castellanos, afirmó que de manera paralela a la exposición habrá actividades educativas, como la charla que ofrecerá Delgado Massen previa a la inauguración, además del taller llamado “(De) claro territorio”, en el que se abordarán los principios del ajedrez a partir de la pieza Horses running endlessly, de Gabriel Orozco, que forma parte de la muestra, así como recorridos guiados.

Lecturas de un territorio fracturado estará abierta al público en las salas de la planta alta del MUSA del 13 de julio al 7 de octubre de este año.

A t e n t a me n t e
«Piensa y Trabaja»
Guadalajara, Jalisco, 
12 de julio de 2018

Texto: Mariana González
Fotografía: Fernanda Velázquez

SALVADOR DALÍ’S STAIRWAY TO HEAVEN

Jun 08, 2018 — Jan 18, 2019

The Hilliard Museum is excited to serve as the inaugural venue for the exhibition Salvador Dalí’s Stairway to Heaven, showcasing over 140 works by the prolific artist. This exhibition uniquely presents two of Dalí’s projects from the collection of the Park West Museum: illustrations for Les Chants de Maldoror and The Divine Comedy, as an analog for the progression of his personal life and views as an artist. Curated by David S. Rubin, the psychological depth of this exhibition humanizes the legendary artist.

SALVADOR DALÍ

Early in his life Dalí characterized himself as an amoral-nihilist, who favored free association and the most primal human instincts. This part of his life is reflected in his illustrations he created for a 1934 edition of Les Chants de Maldoror, a poetic text describing violence, cannibalism and debauchery, which was a favorite of the Surrealists.

Later in Dalí is life he was invited to illustrate an edition of Dante’s The Divine Comedy, commissioned by the Italian government to commemorate the 700th anniversary of the author’s birth. The selection of Dalí was controversial because he was not Italian and his reputation as a nihilist put him at odds with The Divine Comedy’s redemptive message. Ultimately, Dalí was not chosen for the project, but he continued his work nonetheless. His illustrations for The Divine Comedy later found a home in a 1960 edition. This was particularly fitting because, by this time in his life, his work was influenced by an earnest interest in spirituality, Christianity, and mysticism.

Salvador Dalí is Stairway to Heaven offers a fresh perspective on one of the titans of art history. The exhibition is organized by Carole Sorell, Incorporated and presented with generous support from the Park West Foundation. A fully illustrated catalog with an essay by David S. Rubin accompanies the exhibition, as well as “Dalí–Illustrator,” a 407-page hardcover book by Eduard Fornés.

 

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